Balzac y contribua en effet largement. Il est étonnant d’ailleurs que cette association n’ait pas mené plus loin, quand on contaste la similitude de leur projet : classer les différents types sociaux à la manière dont Buffon a pu classer les animaux. Notons aussi la métaphore du théâtre, chaque se grimant et jouant un rôle, commune aux deux artistes. Et de fait, le titre de Scènes de la vie privée et publique des animaux est un évident clin d’œil à Balzac, tandis que c’est l’illustrateur qui est cependant censé être le maître de cet ouvrage.

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Balzac porté par ses admiratrices, détail
de la Grande course au clocher académique

I/ Parcours

Jean-Ignace-Isidore Gérard, dit J.J. Grandville, naît à Nancy le 3 septembre 1803 et c’est dans l’atelier de son père qu’il se forme avant de s’installer à Paris en 1925, où ses talents seront vite reconnus. Il meurt en 1847, l’année de la mort de son fils, dans un asile d’aliénés.

Il s’inscrit certes dans son époque, romantique, par certains de ses thèmes, comme la mort, le rêve, le surnaturel et leurs monstres. Mais il va puiser aussi à des sources plus anciennes, même dans ce cadre : Brueghel, Bosch, ou Léonard de Vinci. Il illustre d’ailleurs bien des auteurs classiques : Les Fables de la Fontaine, en 1838, qui lui font connaître un grand succès, mais aussi des Œuvres de Boileau en 1840, La Bruyère, Le Bourgeois gentihomme de Molière (dont il rêvait d’illustrer toute l’œuvre), et encore Don Quichotte de Cervantès ou Les Voyages de Gulliver de Swift. Cette liste indique d’ailleurs une ambition moraliste que ne renierait pas Balzac.

Le Bourgeois gentilhomme

Cette abondance s’explique en partie par la déferlante de l’image. Entre 1835 et 1845, l’illustration devient langage à part entière. Et Grandville n’est pas le dernier à vouloir lui obtenir ses lettres de noblesse. Il présente en effet ses œuvres au Salon, mais renonce à devenir artiste officiel devant le mauvais accueil qui leur est fait.

Il ne se contente néanmoins pas pour autant du statut mineur accordé à l’illustrateur face à l’écrivain dont il ne ferait qu’agrémenter le texte. Scènes de la vie des animaux est un premier pas dans cette démarche : l’éditeur, Hetzel, souligne que son projet est de laisser libre cours au génie de Grandville, et que les textes devront illustrer ses dessins, non l’inverse. Il n’empêche que cette entreprise se garantit d’écrivains célèbres, et que le texte domine..
S’il arrive à gagner une certaine légitimité par le discours littéraire qui apprécient ses animaux, les avis sur lui restent souvent plus critiques. Seuls Dumas et Balzac l’admirent sans conteste.
Son exigence de la primauté du dessin sur le texte se poursuit en tout cas avec Un autre monde, qu’il signe en 1843, et sur lequel nous allons revenir. C’est d’après ses notes que le texte est rédigé par Taxile Delord, et il vérifie avec un soin jaloux que ses indications sont bien suivies. Mais l’ouvrage est très mal accueilli, car jugé trop saugrenu.

Réserve un peu regrettable. Outre qu’il a pu être revendiqué par le surréalisme comme un précurseur, Grandville a aussi inspiré des talents aussi divers que Daumier, Méliès, ou Disney. Son œuvre est de fait ambitieuse, et la caricature n’est que le moyen d’un dessein plus vaste : modifier notre perception, en variant le point de vue. Mille moyens y contribuent : zoomorphisme, jeux d’échelle proche de l’anamorphose, perspectives extravagantes, création de monstres, ou encore une certaine façon de prendre un dessin au mot.

II/ L’illustrateur zoomorphe

C’est par ses animaux que Grandville se fait d’abord connaître, avec les Fables de la Fontaine et Les Scènes de la vie des animaux déjà évoquées, mais aussi, et surtout, avec les Métamorphoses du jour (1829), dont il est l’exclusif auteur. Entre l’homme et l’animal, les frontières sont brouillées à dessein : est-ce l’animal qui ressemble à l’homme, ou l’inverse ? C’est en tout cas, cette hésitation qui donne notamment aux Métamorphoses du jour sa portée critique, et en fait une satire qui exhibe les travers de la société de son temps, menus ou pas.

On salue ainsi également son « art de dégager la bête qui est en nous » ou, à l’ inverse, de « deviner l’humanité de l’animal ». Toujours est-il que, pour lui, « tous les hommes sont des bêtes plus ou moins travesties ».
La satire se fait d’ailleurs plus spécifiquement politique, parfois, et c’est ainsi que certaines illustrations de Scènes de la vie des animaux ont bien été perçues comme des charges contre les personnalités de l’époque (Thiers et Lamartine, pour citer les plus connus), au point d’ailleurs que l’une d’elle, se rapportant à Napoléon, fut censurée.

Orgueil et bassesse, in Les Métamorphoses du jour

Pour aller plus loin : consultez
Le Buffon de l’humanité La zoologie politique de J.-J. Grandville (1803-1847), article par Philippe Kaenel

Les Fables de la Fontaine illustrées par Grandville
sont disponibles sur Gallica.

III/ L’illustrateur surréaliste : Un autre monde

Un autre monde présente une facette (ou des facettes, plus exactement, une multitude) bien plus singulière. Il ne s’agit plus seulement d’animaux étrangement humanisés, ou de défauts habilement croqués à travers eux, dessins efficaces ou charmants, mais qui finissent par lasser et n’évitent pas toujours un certain académisme. Un autre monde porte bien son titre, et son sous-titre est un alléchant programme qui se révélera merveilleusement rempli : « transformations, visions, ascensions, locomotions, explorations, pérégrinations, excursions, stations, cosmogonies, fantasmagories, rêveries, lubies, facéties, fôlatries, métamorphoses, zoomorphoses, lithomorphoses, métempsychose, apothéose et autres choses ».

Cet autre monde est découvert par un crayon qui part en vadrouille (après une dispute avec laplume d’un écrivain, bien sûr !). C’est une œuvre troublante, où Grandville excelle en effet à perturber son spectateur : les objets y sont doués d’une vie autonome, les époques entrent en collision à la faveur d’anachronismes ridicules, les contrées séparées tant par l’espace que par les mœurs se téléscopent pareillement, des monstrueux assemblages de bouts d’animaux contemplent le lecteur. Les repères de la logique sont bel et bien abolis, et l’on oscille entre charme et terreur, dans ce voyage plein d’une véritable poésie, qui évoque à la fois Eluard dans ce qu’il a de plus lumineux, et les ténèbres de Lautréamont. Ce qui justifie sans doute l’avis de Baudelaire, qui n’aimait guère l’illustrateur, et en disait « Il y a des gens superficiels que Grandville divertit ; quant à moi, il m’effraie. » Hommage tout négatif, sans doute, mais n’est-ce pas déjà une preuve de talent que de susciter l’effroi ?

L’autre monde est disponible sur Gallica.

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Les pin-ups sont apprêtées, légèrement maquillées, toujours souriantes, espiègles et ingénues. Elles sont belles et tellement, tellement « glamour » !

Vargas « Can anyone beat my pair »

Parmi les dessinateurs du « Pin-up art » ou encore du « Glamour art », on trouve principalement des artistes américains et de très, très grands illustrateurs, Vargas, Elvgren, Rockwell, Medcalf et tant d’autres encore.
Mais, avant tout, on découvre l’histoire d’un siècle qui se dévoile.
Puis vinrent les autres grands « Pin-up artists ». Asti, qui déferla jusqu’en Europe, Kirchner, dont on retrouva les oeuvres dans les pages de « La Vie parisienne », puis Vargas, le célèbre dessinateur péruvien.

Charles Dana Gibson « Stepped on »

On vit aussi des « pin-up boys » (ceux de Gibson et de Vargas) et des dessinateurs femmes de pin-ups, et non des moindres : Mabel Rollins Harris, Joyce Ballantyne, les soeurs Patten, Laurette et Irène, Pearl Frush et Zoë Mozert …

Elvgren et Pearl frush

Principalement diffusées dans les magazines dits de gare, avec des héroïnes délurées, sur les thèmes les plus variés, les calendriers aussi sont assez porteurs à leur écoulement dans la plèbe.

L’apogée se situe dans les années 30, avec les fameuses « cartes d’art » qui ont largement popularisé les pin-ups. Des millions et des millions de cartes imprimées furent ainsi collectionnées par les amateurs fous qui les achetaient, impunément, dans les distributeurs automatiques des galeries marchandes.

Elvgren et Zoe Mozert

Durant la seconde guerre mondial une nouvelle forme de diffusion fit son apparition sur les carlingues des bombardiers (Nose-art). La Pin-up symbolise la femme idéale, provocante certes mais jamais vulgaire. Finalement, le meilleur remède pour garder le moral des troupes au beau fixe et, pour ceux qui restaient sur la terre ferme, une flopée de magazines en assurait la diffusion …

Exemple de nose art

La dernière pin-up s’appelait la « Willis girl« . Depuis les années 70, elles ne sont plus dessinées mais photographiées seulement, et ceci principalement grâce à Hugh Hefner et son fameux « Playboy« , icône de la nouvelle liberté sexuelle (les années pilule, les baby boomers !), au grand dam de la morale austère. Mais, avec le prestigieux magazine de charme, l’art de la photographie connaît son apogée, et les pin-ups se retirent peu à peu. Le premiers coup fut porté par un calendrier de pin-ups photographiées. C’est en janvier 1946, en Angleterre : la marque de pneus Pirelli vient d’imprimer le premier calendrier photographique de pin-ups …

Quelques unes de plus, juste pour le plaisir des yeux

Vargas

Joyce Ballantyne

Auteur, illustrateur, scénariste : autant de casquettes que revêt Joann Sfar dans une oeuvre aux facettes également multiples, qui dessine un univers où l?on trouve pêle-mêle un petit et un grand vampire, Platon et les Présocratiques, un chat qui parle, un homme-arbre, ou un illustrateur érotomane, Pascin. Univers qui a valu à Joan Sfar de se voir décerner en 2004 le prix spécial du trentenaire du Festival d’Angoulême.

De l’Association où il a une part active, à Charlie Hebdo auquel il a collaboré un temps, en passant par des livres pour enfants qui lorgnent vers Roald Dahl, Joann Sfar touche à tout, et ne laisse à son lecteur que l’embarras du choix pour pénétrer dans son monde hétéroclite.

On peut goûter l’humour décalé (un peu trop systématiquement) de Donjon, où il s’est associé à Trondheim, Larcenet etc, ou l’humour plus délicat du Chat du rabbin, auquel il doit une large part de sa notoriété … Ou bien se laisser bercer par la fausse candeur de ses ouvrages enfantins, voire plonger dans la touffeur enchantée de l’Homme-arbre, conte illustrée. On peut même guetter les clips faits pour Dionysos ou Thomas Fersen.

On peut choisir aussi une voie plus méthodique, laborieuse, et collecter une foule d’informations sur sa vie, son oeuvre. Que sa mère est morte quand il était petit, et que cette fringale de dessins est un dérivatif, parce que plein d’histoires qu’on raconte, c’est plein de vies que l’on vit au lieu d’une seule ; et puis cela explique un côté légèrement morbide de certaines histoires. Qu’il est juif, d’où rabbin et autre klezmer. Qu’il a fait des études de philosophie, et c’est pour ça qu’il s’amuse à illustrer Candide ou le Banquet. Vive la profondeur. Maintenant que nous voilà bien avancés, prenons enfin la dernière porte.

C’est la petite porte, plus insignifiante de prime abord, mais où se révèle pourtant le mieux certain bonheur du coup de crayon, et un ton plus léger, que l’on serait bien en peine d’aggraver. On y rencontre l’auteur des Carnets (Harmonica, Ukulélé, Parapluie, Piano, Caravan), ou encore du Cahier d’éveil et de l’ancienne chronique de Charlie Hebdo.

Ces formes plus brèves, anecdotiques souvent, nouent quelque chose comme une conversation, où Sfar est tour à tour plaisant, ironique, agaçant ou drôle, même si parfois on ne consent pas à suivre ses conclusions, ou à embrasser son point de vue. C’est peut-être justement parce qu’il est critiquable (certaines opinions sur le conflit israëlo-palestinien, où il se montre un peu bref, sa position plus ou moins changeante face au festival d’Angoulême) que ses carnets sont si vivants. Il y joue parfois un peu trop les questions existentielles, tout n’y est pas d’un grand intérêt : pourtant, l’ensemble dégage une simplicité bonne enfant, agréablement éloignée du souci de plaire ou non. Une sorte d’invitation à le suivre dans son monde, dans un travail, un projet qui s’élabore au jour le jour.

Et surtout, ses illustrations sont alors un contrepoint fabuleux à son discours. Chaque dessin anime ses pensées, lui donne toute sa forme et sa saveur, l’inscrivent dans un monde sensible et évocateur. Le texte devient ainsi un prétexte, un prélude à l’image qui l’emporte et nous entraîne avec elle. Ces dessins sont vifs, la couleur y est rare, pastel, mais elle déborde alors les contours. Ils sont en mouvement, des croquis, des esquisses, jamais bien léchés, avec toujours cette dose d’imperfection qui en fait des émotions. Beau couronnement de la volonté de Sfar à ne pas jouer la perfection du dessin contre ce qu’il dégage que cette grâce d’éphémère.

- Le site de Joann Sfar, aussi officiel que personnel, avec bibliographie complète et pas mal de planches à glaner : le petit monde de Joann Sfar

- Une foule non exhaustive d’interviews un peu redondantes à force ici, ici, et là …

Cette exposition en divise bon nombre, aussi bien parmi ses visiteurs que parmi ses commentateurs. Et c’est justement sa richesse que de nous faire revivre la diversité de la mouvance dadaïste. Il est simple et difficile d’expliquer Dada. Dans les années 1910, avec l’arrivée des nouveaux médias (enregistrements audios, cinéma) est apparue l’envie d’utiliser ces outils au service d’un art moderne, relatant une réalité horrible (la Grande Guerre) avec cependant un sens critique aiguisé dénonçant l’hypocrisie ambiante, la croyance en des valeurs morales, esthétiques et politiques fallacieuses et foireuses. Dada se propose de dénoncer tout ceci, en se moquant puis en proposant de nouvelles formes : l’objet industriel est revendiqué comme objet artistique ; les arts s’entremêlent joyeusement pour dénoncer le primat d’un art officiel académique sclérosé, ou des tentatives avant-gardistes qui ne s’affirment qu’en fonction de cet académisme ; choquer les goûts et les bonnes moeurs bien-pensants…

Rassemblés autour de Tristan Tzara, membre fondateur, initiateur et rassembleur international du mouvement dada (mot trouvé au hasard dans un dictionnaire, et n’ayant aucun rapport et sens avec le but recherché, ce qui était donc « parfait » pour désigner ce mouvement), celui-ci défendra et accueillera tous les artistes se réclamant de cette idée, de cette logique. Et c’est ainsi que Dada, par son refus du conformisme et sa dénonciation du « bon goût » se répandra au gré des revendications et des formes que les artistes, de par le monde entier, voudront lui donner (cela concerne toute l’Europe, mais aussi, le Japon, les Etats-Unis, l’Amérique du Sud…).

Cette exposition propose un parcours pseudo-chronologique et/ou thématique afin de découvrir les différentes expressions dada. Toutefois, et c’est sa grande particularité, le visiteur est libre de parcourir les différentes pièces comme bon lui semble, et ainsi de faire sa propre (re)découverte de dada. Plus de 1000 oeuvres de 50 artistes sont exposées, et on y trouve de nombreuses correspondances écrites (passionantes, souvent drôles), des peintures, des sculptures, des films, des enregistrements, des poésies… tout ce qui fait dada, sa richesse et son foisonnement. C’est un véritable plaisir de se laisser aller au gré de ses envies et de ses intuitions. Et que de plaisir ! On peut y voir de très nombreuses oeuvres de Duchamp, Arp, Picabia, Aragon, Grosz, Dix, Ernst, Schwitters, Eluard, Breton, Man Ray, Tzara…. Il est rare d’avoir une telle concentration de chef-d’oeuvres majeurs, qui ne seront visibles en Europe qu’à Paris, avant que cette exposition ne se déplace aux Etats-Unis et au Japon.

Ainsi, si présenter dada en une exposition pouvait sembler hérétique (un musée, chantre de l’académisme moderne de l’art !) de par sa formule et sa présentation, elle nous donne à voir une image plus juste et « dans l’esprit » dada. Car c’est dans cette limite de l’exposition que se trouve le début de la transgression dadaïste : rien à foutre de plaire au bon goût et aux valeurs moralisantes pesantes, et de se conformer l’académisme (en l’occurence, si l’expo ne ressemble à rien de connu et conventionnel). C’est parce que nous vivons dedans, que dada entre en rébellion. Mais si dada est mort (officiellement, pas son élan), c’est parce que de cette contestation est née l’envie de créer autre chose. Si chacun de ces artistes s’y est essayé de son côté (souvent avec succès), cela n’en a pas moins sonné le glas de cette mouvance, qu’André Breton, par sa pesanteur et son sérieux dans la recherche d’un art véritable, a rendu effective avec son Manifeste du surréalisme en 1924. Mais foin de Breton, cet esprit libre et libertaire (anarchiste?) a insufflé à bon nombre de ces artistes de quoi magnifier leur art vers l’excellence, et continue, malheureusement bien trop souvent, auprès des artistes des générations suivantes, comme étant la recherche unique de choquer et d’utiliser des objets incongrus. N’est pas dada qui veut.

Arnaud.

Pour un historique plus précis du mouvement dada, consultez le site suivant : DADA

Le site officiel du centre Pompidou

Bienvenue dans les mondes imaginaires, futurs ou passés, où de belles Amazones se croisent à tous chemins, de même que les Apollons musculeux à souhait (je cite ces derniers juste pour faire plaisirs au public féminin !). C’est dans les sujets traités tels que le fantastique et l’heroic fantasy, sujets très à la mode ces derniers temps, que l’on retrouve leurs thèmes favoris. Mais la ressemblance ne s’arrête pas là : c’est aussi dans l’approche du dessin en lui-même et dans le réalisme des portraits et paysages dressés, qui sont criants de vérité. Bien entendu, leurs coups de crayons sont différents, mais pourtant, ils flirtent avec le même univers appelé le Fantasy art, et il est vrai que peu d’hommes sont représentés dans leurs oeuvres respectives. C’est la femme qu’ils magnifient. De toute façon, elle est si belle, qui s’en plaindrait (oui, je sais, une féministe en excès de zèle !!) .

Voilà cette petite présentation s’arrête là , il y aurait tant à dire et à présenter. Le mieux est encore d’aller sur leurs sites pour se donner une idée de l’étendue de leurs travaux respectifs. Personnellement, j’ai un petit faible pour Royo.

Travaux de Luis ROYO et de Boris VALLEJO.

Luis Royo

Est né à Cutanda, Tervel (Espagne) en 1954.

Il étudie la peinture, la décoration et le dessin industriel. Parallèlement, il travaille dans divers studios de décoration de 1970 à 1979. De 1972 à 1976, plus impliqué dans la peinture grand format, il participe à diverses expositions individuelles dans différentes villes. En 1978, il se tourne vers la BD et commence à publier des récits complets à partir de 1981 dans des revues comme « 1984″, Comic International, Rambla et, occasionnellement, dans El Vibora et Heavy Metal. A partir de 1983, avec Norma Editorial, il se lance dans l’illustration, sortant pour la première fois du contexte national pour publier dans le monde entier. Actuellement, ses travaux illustrent des couvertures pour différents éditeurs tels que Tor, Berkley, Avon, Warner, Bantam, Zebra, Nal ou Pocket. Il réalise également des couvertures pour des magazines comme Heavy Metal, Cimoc, Penthouse, Comic Art, Ère Comprimée, Total Métal… Il illustre également des calendriers, posters, compilations, cartes postales, portfolio… pour les éditions Penthouse, Air Brush-Action, Comic Image, Heavy Metal, DC Comics, Fleer Ultra X-Men ou Norma Editorial.

BORIS VALLEJO

Né à Lima au Pérou, Boris est allé à l’école nationale des arts dans son pays d’origine avant d’immigrer aux États-Unis en 1964.

Il a depuis lors fait un énorme travail pour le domaine de l’imaginaire, bien trop gros pour le détailler avec précision, ayant travaillé pour pratiquement chacune des maisons d’édition ayant la science fiction/fantasy en thème principal. Boris a également illustré pour les couvertures d’album et visuels de boîte de jeux, ainsi que pour la publicité de film cinématographique.

Sa maîtrise de la peinture à l’huile est immédiatement perceptible à toutes les personnes qui regardent son travail, et son sens classique est autant un hommage aux vieux maîtres qu’aux contemporains du genre.

Pour la bravoure et le côté guerrier, peut-on pousser les limites plus loin que Boris avec ses belles demoiselles et monstres effrayants ?

Gio879.

L’enfance et les jouets sont donc le liant des dernières séries de clichés, constituées de portraits de personnalités plus ou moins célèbres (Macha Meril, Laurent Petitguillaume, Arthuro Brachetti, Claire Nadeau, Jean-Claude Dreyfus, Brigittes Lahaye, François Morel ,etc …) . Drôlement maquillés, attifés et appareillés , déballant une violence sans équivoque dirigée par une mise en scène assez macabre.

L’effort est surtout concentré sur la mise en scène des personnages. Personnellement, au vu de ces clichés,je n’aurais pas aimé être le doudou de Constantino! J’allais oublié, cette série s’appelle Blessures secrètes .

Gio879.

Son site perso, vous y trouverez de nombreux clichés et sa biographie exacte.

< cliquez ici >

Art contemporain et cauchemars les plus profonds, Hans Ruedi GIGER, de nationalité suisse, nous abreuve des ses visions folles et obsessionelles au travers de réalisations les plus variées : toiles , sculptures, meubles, bijoux, illustrations, cinéma et pochettes d’albums. Je vous invite à découvrir cet artiste bioméchanoïde.

Un rapide descriptif du personnage avec les dates les plus importantes

Né en 1940, à Chur en Suisse. Issu d’une famille de classe moyenne supérieure.

Alors qu’il avait 6 ans, son père chimiste reçut un crâne humain en guise promotion professionelle de la part d’une société pharmaceutique (drôle de cadeau !!) : c’est à partir de ce moment que sont goût pour l’étrange et le macabre se développa.. Déjà, enfant, il passait son temps à faire peur aux filles avec ses amis ; c’était sa distraction favorite.

En 1964, il produisait ses premiers dessins, le plus souvent à la peinture à huile. Deux ans lui suffirent pour avoir de quoi exposer en 1966.

C’est en 1968 qu’il se consacra entièrement a son art. S’ensuivit une décennie houleuse mais ô combien importante. D’abord, il utilisa de plus en plus souvent l’aérographe comme outil de travail, et ne tarda pas en en devenir un maitre incontesté à titre mondial. Une amie très proche se suicida avec un revolver en 75. En 78 il publia un livre nomé le NECRONOMICON, ce qui le fit connaître du grand public mais aussi de RIDLEY SCOTT. Ce dernier lui proposa de travailler sur le film ALIEN, qui fut oscarisé pour ses décors. La participation pour ce film se poursuivit jusqu’au numéro 4 . Il contribua aussi à DUNE de DAVID LYNCH et à la conception de la créature dans LA MUTANTE de ROGER DONALDSON.

Mais il ne fait pas que de peindre, il sculpte également : bois, métaux, tout y passe. En 87 il exposa à TOKYO « La chaise HARKONNEN »: c’en était joué, il avait conquit la planète entière. La création de son propre musé eut lieu à Gruyères dans les années 90, puis juste à côté il créa son premier environnement à l’échelle réelle Le GIGER BAR.

Le style bio mécanique fait de chair et de machine de GIGER fascine, il n’est en fait que la résultante de ses propres rêves combinés à l’imagerie brillante de génies du fantastique tel que Gustave Meyrink, Jean Cocteau, Alfred Kubin et HP Lovecraft

Gio879 a trouvé du bois cet été pour se faire de nouveaux sabots

LIENS

Un des ses sites officiels, accés ICI: vous y trouverez sont travail, et si vous êtes fortuné, de quoi dépenser votre argent.

—— Découvrir HR GIGER en ce moment : il expose ses oeuvres personnelles au musée de la halle St Pierre à Paris du 13 septembre 2004 au 6 février 2005 tous les jours de 10h à 18 h——
Mais ce n’est pas tout il a son propre musée, situé à Gruyères en Suisse

Et bien ceci est désormais possible. Depuis quelques années déjà, une soixantaine de villes en France ont pris cette initiative, en s’appuyant sur des modèles étrangers tels que la Suède ou le Canada ou encore l’Allemagne. Comment cela fonctionne-t-il ? Eh bien comme une simple bibliothèque. Les gens sont invités à visiter un espace où des milliers d’oeuvres sont exposées, en grande majorité des jeunes artistes en quête de promotion, mais également des artistes un peu plus importants. Une oeuvre vous plaît, mais elle est un peu trop chère pour vos moyens ? Il suffit de l’emprunter. Il est possible, moyennant une petite somme d’argent et un justificatif de domicile et d’assurance, d’emprunter un tableau pour une durée de deux mois. Le prix de location peut varier d’une ville à l’autre, ou en fonction du choix proposé dans la galerie ( 8 € pour deux mois à Caen pour un emprunt occasionnel).

Il existe cependant différentes formules d’emprunt : des locations ponctuelles ou alors un abonnement à l’année permettant de changer d’oeuvre tous les deux mois. Des formules pour les entreprises ainsi que pour les écoles sont disponibles.

Pourquoi cette initiative ? Il est bien connu que le rapport avec les oeuvres d’art est assez particulier, ce sont des choses qui nous appartiennent, qui nous définissent, et qui nous ressemblent d’une certaine manière. Cela nous rappelle une époque, un état d’esprit, une humeur … alors pourquoi créer une formule qui permet d’en changer régulièrement ? Tout simplement pour toucher un nouveau public. L’art est, il faut bien l’avouer, considéré comme quelque chose d’élitiste ou du moins de spécialisé, réservé à une catégorie de la population plutôt aisée – les oeuvres coûtent cher – et ayant un capital culturel important. Alors, pour que le grand public s’intéresse plus à l’art, les villes ont décidé de faciliter son accès en le louant. Ainsi, n’importe qui peut avoir un tableau d’art pour peu de frais. Les entreprises et écoles peuvent louer un certain nombre d’oeuvres pour leur établissement, pour un événement particulier ou pour une étude avec les élèves et étudiants.

Le rapport à l’art y est différent, car il ne nous appartient pas, on ne le conserve que pour une durée maximale de deux mois. Cela permet cependant de se familiariser avec un art que l’on ne connaissait peut-être pas avant, mais aussi de découvrir de nouveaux artistes. Pour ceux qui aiment le changement ou qui ne veulent pas investir pour une oeuvre chère qui vieillira peut-être mal dans l’ensemble de la maison ou de l’appartement, il est également possible, via un abonnement annuel, de changer tous les deux mois de décoration.

Après tout, dans un monde où l’éphémère règne, les tableaux d’art peuvent bien avoir leur place !

Anthony.

Constable fut un Anglais de la bourgeoisie rurale traditionnelle. Il n’est jamais sorti de son pays, y compris lorsque la France exposa certaines de ses toiles en 1824. Refusant les honneurs, la vie mondaine et des salons, il préféra rester dans sa maison de campagne, proche de la nature. La nature, « sa véritable maîtresse« , comme il aimait à le dire à sa femme, il ne cessera de la peindre, de la décrire, de la décrypter. Tant et si bien que Constable, bien que loué pour sa capacité à peindre celle-ci, n’en sera pas moins décrié et relégué comme simple paysagiste.

Il affectionnait les petits formats, car il aimait à se déplacer dans la nature, faire des croquis, et cela lui permettait de se concentrer plus rapidement. Il cherchait à rendre par une certaine rapidité, visibilité des couches de peinture et des traits, l’aspect rapide, enlevé et tourmenté de la nature: capter les moments exceptionnels, beaux, mais éphèméres.

Le principal reproche, mais récurrent, fait à Constable, était l’omniprésence de ses ciels et de ses nuages. On disait qu’elle déséquilibrait la composition de sa toile. Comme le dirait Cocteau plus d’un siècle plus tard, il a cultivé ce que la majorité lui reprochait, car dans cette critique se trouvait sa personnalité, son art et son génie.

Constable est omnibulé par le ciel et les méandres de ses nuages. Pour lui, il s’agit de trouver dans la peinture, et par ses attributs (couleurs, composition, couches…) ce qui touche à la création artistique, mais aussi divine. Ces événements climatiques naturels sont l’expression et la manifestation de la force divine. En peignant ces paysages et ces ciels aux nuages lourds et encombrés, il est en pleine quête quasi-mystique.

Cette recherche sur les événements climatiques, atteindra son acmé dans les années 1820-1822. Véritable étude, il multiplie les essais, les angles, les effets et consigne toutes les manifestations climatiques, tel un vrai climatologue.

Au cours de certaines de ses conférences, il n’hésitait pas inclure la peinture comme une branche d’étude des sciences de la nature: « La peinture est une science, et doit être poursuivie comme une enquête dans les lois de la nature. Mais alors le paysage ne peut-il être considéré comme une branche de la physique, dont les tableaux ne sont qu’une expérience ? » Cette recherche, cette empathie avec la nature pour mieux la comprendre et la représenter, sera constante tout au long de sa vie.

Proche des recherches plastiques et mystiques des romantiques français et allemands, Constable n’est pourtant pas à inclure dedans. Il mène et aspire à une vie paisible. Ce qu’il y a de fascinant, c’est sa capacité à vivre simplement et à s’échapper dans les tourments de son art. Contribuer à donner un sens au monde sans l’imposer.

Arnaud.

Citations :

« (…) c’est mon propre pays que je peindrais le mieux; pour moi peindre n’est qu’un autre mot, synonyme de sentir, et j’associe « mon enfance insouciante » avec tout ce qui existe sur les bords de la Stour; ce paysage a fait de moi un peintre… »

extrait de la correspondance avec le poéte Leslie, à propos d’une invitation en ville :

« Quant à venir vous rejoindre parmi ces spectacles grandioses, souvenez-vous, mon cher Leslie, que je n’ai pas été fait pour le Grand; les choses sont mieux comme elles sont. Mon art limité et particulier se trouve au pied de chaque haie et dans chaque chemin de campagne, là où, par conséquent, personne ne pense qu’il vaut la peine d’aller le ramasser »

Pour lui, le sujet de la peinture est le « rien » loin de tous ces sujets antiques, à la mode, que le néo-classicisme considère comme de la grande peinture :

« …Nous sommes allés au Rempart, qui est en réalité les restes d’un camp romain, dominant un des plus admirables paysages de nature qu’il y ait au monde , et par conséquent une scène des moins faites qui soit pour un tableau. C’est l’affaire d’un peintre de ne pas lutter avec la nature en mettant un pareil paysage, une vallée remplie de sujets sur une étendue de quatre-vingts kilomètres, sur une toile de quelques centimètres, mais de faire quelque chose avec rien, effort qui doit presque forcément le rendre poétique… »

Citations extraites du livre de P. Wat: Constable entre ciel et terre, chez Herscher, le musée miniature. 1995

Quelques liens :

Dans les sites suivants, on pourra constater, y compris dans les grands titres nationaux de la presse écrite, que Constable est ramené au peintre de la campagne anglaise, paisible. Cette approche, juste de prime abord, n’en est pas moins réductrice, car Constable s’est évertué à rechercher bien plus que la peinturecette campagne. Le ciel et les nuages l’intrigaient bien davantage.

- L’encyclopédie de l’agora

- le site insecula

- l’article du point

- un dossier pdf sur Constable et Turner

et bien d’autres articles…

lire l’article complet en pdf:

1. page 1
2. page 2
3. page 3