Dépressif, désanchanté, cynique, désabusé, 2 titres issus de ses 2 derniers albums pour s’en faire une idée. Coward de At the Cut, considéré comme un des meilleurs albums de 2009 dans la blogosphère, accompagné de toute la clique de son label Constellation, et Feast In The Time Of Plague de son tout dernier album Skitter On Take Off.

Un extrait d’un de ses derniers live :
Vic Chesnutt live Café de la Danse 2009

Cathimini | MySpace Video

 A écouter aussi l’album de reprises de ses chansons par REM, Madonna, Garbage, The Smashing Pumpkins… Sweet Relief II: Gravity of the Situation pour ceux qui souhaiteraient découvrir tranquillement…

http://www.vicchesnutt.com/home/

http://fr.wikipedia.org/wiki/Vic_Chesnutt

PS : les titres s’écoutent dans le lecteur à droite et ne sont disponibles à l’écoute que pour un temps limité.

Foin de trop longs discours, écoutez plutôt 2 extraits dans la playlist :

- Erabundo

- La chanson des vieux amants

 et visitez leur site pour plus d’informations.

Les membres de Kantango :

priftuli armand (violin)
antonio fresa (piano),
giacomo pedicini (bass)
sasa piedepalumbo (accordion)

PS : les titres s’écoutent dans le lecteur à droite et ne sont disponibles à l’écoute que pour un temps limité.

Voici la description qu’en donne Mondomix.

Chanteuse et compositrice norvégienne, Kristin Asbjørnsen s’illustre aussi bien dans le domaine de la chanson traditionnelle que dans les répertoires du jazz et des Spirituals afro-américains.

Un peu vague, alors il vaut mieux écouter:

Mais soyez rassuré. En France, on est tellement bon, tellement « exceptionnellement culturellé », que bien sûr on décide de la connaitre après tout le monde.

Pour info, Kristin Asbjornsen sera en France en février-mars 2010 pour la tournée de son nouvel album et en concert à Paris avec Tord Gustavsen au piano, le 11 février 2010 au New Morning.

Petite vidéo de présentation par Mondomix suite à son concert au Sunside pour son précédent album Wayfaring Stranger A Spiritual Songbook :

Découvrez Découvrez Mondomix.com, le magazine des Musiques et Cultures dans le Monde!

son site : http://www.kristinsong.com/french.php

PS : les titres s’écoutent dans le lecteur à droite et ne sont disponibles à l’écoute que pour un temps limité.

Et du beau monde pour l’accompagner: Azzola, Minino Garay…

PS : on pourra écouter un extrait dans une future playlist.

PPS : l’extrait est désormais dans la playlist.

Le lien vers le concert de cet album au Sunside à Paris le 8 décembre 2009

Et l’album s’écoute par ce biais :

Tout d’abord un peu de sa bio :  » Pamelia Kurstin (née le 28 mai 1976 dans le sud de la Californie sous le nom de Pamela Stickney) est une des joueuses de theremin les plus réputées au monde. Elle est notamment connue pour avoir joué avec des artistes tels que David Byrne (Grown Backwards), Béla Fleck and the Flecktones (Little Worlds) et Ulver (Shadows of the Sun). Son passé de musicienne de jazz, notamment à la contrebasse, a influencé sa manière d’aborder le theremin et sa technique si particulière, appelée walking bass. Elle a travaillé à New York (jusqu’à la fin de l’année 2005). Elle vit aujourd’hui à Vienne en Autriche.

C’est en regardant un documentaire de Steven M. Martin intitulé « Theremin: an electronic Odyssey », que Pamelia Kurstin découvre sa vocation pour cet instrument. Elle a l’occasion de l’utiliser pour la première fois durant les sessions d’enregistrements de l’album Into the Oh (1999) du duo Geggy Tah, composé du chanteur et compositeur Tommy Jordan et du claviériste Greg Kurstin. C’est avec ce dernier qu’elle enregistre sous le nom « The Kurstins », l’album Gymnopedia en 2000, en hommage au compositeur Erik Satie. Pamelia Kurstin développe ensuite, à l’aide d’un pédalier qui lui permet de construire des boucles, le projet de performances solo au theremin qui aboutira à l’enregistrement de Thinking Out Loud, premier album enregistré pour Tzadik, le label de John Zorn, en 2007. Parallèlement, elle se produit avec le groupe new-yorkais Barbez, emmené par Dan Kaufman, et avec lequel elle enregistre Insignificance (2005) et plus récemment un projet autour de l’œuvre de Paul Celan, Force of Light (septembre 2007). Ses goûts éclectiques (Schoenberg, Rachmaninoff, Mark Feldman, Billy Strayhorn, Donald Fagen..) l’amènent à travailler avec des musiciens aussi différents que Miho Hatori, Foetus, Sébastien Tellier, Otto Lechner… Elle a également réalisé la bande originale d’un documentaire pour la chaîne CNN. Enfin, elle apparaît dans un documentaire consacré au Dr Robert Moog, intitulé Moog (2004). » (source : Wikipédia)

2 nouvelles vidéos de 20 minutes chacune, qui montrent le talent, mais surtout la progression de Pamelia ! La première est un extrait d’un concert donné en 2008. Il s’agit du morceau « London » retravaillé et trituré. Les rétifs des sons aigus et autres expérimentations sonores, passez votre chemin !

La seconde vidéo, qui est la première chronologiquement, nous montre Pamelia en 2002. Déjà une bonne maîtrise de son instrument, interprétant des standards, mais manquant encore un peu de justesse et de profondeur :

C’est le cas, ce matin, suite à la réception de ce mail facebook (pour une fois que j’ai l’impression que ça sert à autre chose que le remplissage de la vacuité ce machin) que je m’empresse de vous mettre en copie ici même. Toutefois, je tiens à préciser que dans le cadre de son nouvel album (prévu officiellement pour l’automne 2009 selon le site officiel), Anouar Brahem sera en tournée et de passage sur Paris le 9 décembre 2009 à la salle Pleyel (j’ai déjà mes places !).

 » (…) Anouar Brahem is back! And what a comeback it was! Last Saturday, the Tunisian audience was literally in heaven under the spell of « Ashiq Min Beirut/Lover from Beirut », « Raks Ala Al-Amwej/Dancing on the Waves », « Tareeq Ila Djibouti/Road to Djibouti » and « Ila Oyooni Rita/For Rita’s Eyes », all brand new compositions from his upcoming album.

The line up comprised Klaus Gesing of Germany on bass clarinet, Björn Meyer of Sweden on electric bass, Khaled Yassine of Lebanon on percussions and Anouar Brahem on Oud (luth). The quartet also played « Sur le Fleuve/On the River » of « Voyage de Sahar/Sahar’s Journey », a couple other brand-new compositions (still nameless) and a « heavily » refined « Ya Maktoob Snine/O Fate » (this is an old composition that dates back to the 80′s but didn’t make it to any album yet!). « Ya Maktoob Snine » was showered with a standing ovation from the public who asked for « an encore » and got it.

Mr. Brahem dedicated the new album, still without a title, to the late Mahmoud Darwish, the prominent Palestinian poet.

Vivid, dynamic, full of pep and joy, Brahem’s newest compositions jumped the acoustic spectrum to the « hot end of it » as if by some quantum leap. Forget a bit about the blues and sadness conveyed in most previous compositions, the new album seems to be about optimism, fun, toes in hot sand, a cool glass of lemonade and a fresh Mediterranean breeze.

Maybe these are the « Words » that are most needed « in the aftermath of the war » after all.

Brahem also proved that he doesn’t dwell on his past successes, that he never sets on his laurels and that he’s boldly seeking new directions for his art without compromising the depth of the immersion the listener should witness when « interacting » with the music.

In 2006, the NY Times wrote: « Anouar Brahem music evokes a kind of 21st century Andalusia, in which European and Arab sensibilities have merged so profoundly ».

True! Last Sunday’s concert was tantamount to eighty minutes of « Convivencia », of a co-existence between two seemingly antagonist instruments namely the Oud and the electric bass. By some magic only Brahem knows how to concoct, this « oxymoron » was marvelously turned into a mosaique: one is stunned by the beautiful whole but can still distinguish the small pieces that never take place at the expense of each other.

Brahem was wearing his (usual) black T-shirt and was passionately humming along the melodies.

The new CD is to be released in August.

We’ll keep you posted!

In The House Of Mirrors, enregistré en Inde, scellera ainsi la trajectoire nomade d’un compositeur influent mais demeuré en marge de toutes classifications. Ce savant fou, dont les pièces montées frappaient et déroutaient, sera tant regretté par des chanteuses audacieuses comme Björk ou la Suissesse Laurence Revey (dont il a réalisé Le Creux des Fées) que par des figures de la world music tels Peter Gabriel, Brian Eno, John Cale, Manu Dibango, Lisa Gerrard, Ryuichi Sakamoto, David Sylvian, Asia Argento ou le Congolais Bony Bikaye avec lequel il signa en 1983 Noir et Blanc, œuvre-jalon de la fusion afro-électronique. Même les acteurs Gérard Depardieu et Richard Bohringer, que Zazou a fait chanter en 1992 pour un hommage à Arthur Rimbaud (Sahara Blue) devraient pleurer ce créateur insatiable. Zazou savait embrasser dans des souffles toxiques traditions et expérimentations, en traqueur de mélodies, de tons et de climats aux flux et reflux subtils.

En 1976, sous le nom de ZNR (Hector Zazou au violon et claviers et Joseph Racaille) sort l’album Barricades, un disque bizarroïde aux influences diverses: la musique de chambre, le krautrock, le piano d’Erik Satie. De l’avant-garde cérébrale. Ils sortiront une seconde plaque au titre léger Traité de Mécanique Populaire. Son premier album solo sort en 1979 La Perversita, de la musique érotique (sic!).

Sa production sera abondante (plus de 20 disques) et éclectique. Hector n’a cessé de surprendre à chaque nouvelle oeuvre. Noir et Blanc, en 1983, pose les jalons de la fusion afro-électronique. En 1991, il est lauréat aux Victoires de la Musique pour le CD Les Nouvelles Polyphonies Corses. Ce disque signait la rencontre entre les chants corses a capella et des musiciens tels que John Cale, Manu Dibango et Ryuichi Sakamoto. En 1992, il produit Sahara Blue, un hommage à Arthur Rimbaud sur lequel on retrouve Gérard Depardieu, Khaled ou Tim Simenon.

Son approche novatrice lui vaudra le respect des musiciens les plus influents de cette fin du vingtième siècle. Chansons des Mers Froides le verra collaborer avec Björk (elle chantera en islandais pour l’occasion), Suzanne Vega, Siouxsie, Jane Siberry, Värtinna + quelques incantations de chanteurs Inuits ou Shamans.

Son dernier album, plus electro/rock, Corps électriques, avec notamment Nils Petter Molvaer à la trompette, est sorti en ce début d’année 2008. Crammed Discs devait sortir In the House of Mirrors enregistré à Bombay avec des instrumentalistes indiens et ousbèques, en octobre. La maladie l’a emporté de l’autre côté du miroir.

« Avec Hector Zazou, on ne sait pas si c’est le premier des postmodernes ou le dernier des hommes de la Renaissance qui a disparu le 8 septembre. Touche-à-tout et avant-gardiste, élitaire et populaire, généreux et retenu, savant et instinctif, il laisse une œuvre singulière, rare, diverse, contrastée, une œuvre sur laquelle il est difficile de tracer des lignes de force et de cohérence, tant il a exploré de lieux variés dans les musiques populaires du XXe siècle.

C’est un pionnier des synthétiseurs autant qu’un pionnier de l’exploration de tout l’éventail des musiques existantes qui se révèle avec l’album Barricades 3 enregistré en compagnie de Joseph Racaille en 1976 et, au début des années 1980, avec sa collaboration très remarquée avec le chanteur congolais Bony Bikaye. Les disques et les – trop rares ! – concerts de Zazou Bikaye annoncent ce que seront les années 1990 de Peter Gabriel, Jon Hassell ou Jean-Philippe Rykiel : les nappes numériques jaillies des circuits imprimés épousant le grain de voix africaines riches de leurs siècles de tradition… En même temps, il jongle avec les clichés narratifs et musicaux de l’aventure exotique dans l’album précurseur Reivax au Bongo en 1986…

Ce missionnaire de la découverte musicale et de la rencontre osée brouille toutes les pistes, accumulant des aventures qui l’envoient à l’autre bout de plusieurs mondes pour revenir à Paris mixer, reconstruire, re-rêver des albums systématiquement novateurs et intemporels à la fois. Il produit les Nouvelles Polyphonies corses, qui mettent les polyphonies au risque de l’électro (et emportent une Victoire de la musique en 1992). Il enregistre Chansons des mers froides avec une foule d’interprètes de tous les Nords (Björk, Suzanne Vega, Siouxie…), Sahara Blue en hommage à Arthur Rimbaud (avec Gérard Depardieu, John Cale, David Sylvian, Dominique Dalcan, Lisa Gerrard, Richard Bohringer…), une plongée dans l’Irlande (l’album Lights in the Dark, sorte d’inverse des Pogues enregistré avec Peter Gabriel, Ryuichi Sakamoto, Brendan Perry, Breda Mayock), un disque et une tournée éblouissants avec la chanteuse rock américaine Sandy Dillon… « Je suis un peu volage », admet-t-il volontiers…

Un univers différent à chaque disque ? « C’est comme ça que ça se passe dans la bande dessinée, nous avait-il expliqué un jour. Pourquoi n’en serait-il pas de même en musique ? Si on reste au même endroit, c’est souvent qu’on y est obligé : on s’oblige soi-même, il y a des impératifs de type marketing, des pressions de l’extérieur et de l’autocensure. »

Ce musicien volage est aussi devenu expert. On lui commande six heures de musique pour le grand défilé populaire qui ouvre la coupe du monde de football en France en 1998, grand voyage évoquant chaque continent et convergeant en une vaste symphonie multiculturelle. Outre des collaborations sporadiques ici ou là, il était aussi un réalisateur d’albums recherché et avait signé des disques de Yungchen Lhamo, de Laurence Revey ou de Carlos Nunez.

Il fait partie de ces musiciens dont on ne sait plus s’ils pensent ou jouent le plus. « Ce qui m’intéresse, c’est le son même. Le moment où j’enregistre n’est pas le moment qui m’intéresse le plus », nous avait-il confié. Moyennant quoi, il joue de tous les instruments : « S’il faut souffler dans un truc pour produire un son, je veux bien le faire. Mais si j’enregistre une partie de guitare, je vais passer plus de temps à la travailler ensuite. » Mais il parvient à devenir virtuose – un des meilleurs – d’un instrument que l’on utilise en général pour ses vertus d’habillage sonore, le theremin. « De temps en temps, j’en joue bien ; de temps en temps, j’en joue très mal. La machine elle-même a ses caprices… »

Sa dernière entreprise discographique n’est pas la moins singulière : une série de pièces composées sur des images en mouvement du peintre Bernard Caillaud, présentées sur Q+C (comme Quadrichromies), CD et DVD publiés en 2006. Et il venait de mettre la dernière main à un album enregistré en Inde, In the House of Mirrors, qui paraitra à titre posthume le 6 octobre, chez Crammed.

Grand voyageur de musiques, il était aussi, sous son identité d’état-civil, Pierre Job, un respecté journaliste globe-trotter, notamment pour Le Figaro Magazine. »

(source RFI Musiques : http://www.rfimusique.com/musiquefr/articles/105/article_17360.asp)

Quelques vidéos :

un documentaire-interview sur le processus d’une création de Zazou sur une film C.T. Dreyer :

Et sa création musicale sur une œuvre de Bernard Caillaud :

D’autres liens :

http://www.rfimusique.com/musiquefr/articles/060/article_14948.asp

http://fr.wikipedia.org/wiki/Hector_Zazou

http://www.crammed.be/news/index.htm (site de sa maison de disque)

A 67 ans, c’est un nom incontournable de la musique brésilienne mais aussi tout simplement de la musique. 45 ans d’une carrière incroyable avec près de 40 albums (!) au compteur : une longévité qui laisse rêveur ! Avec une série de tubes planétaires, Sergio Mendes règne en pape de la musique populaire brésilienne.

Quant à l’acuité du maître, on peut dire qu’à l’écoute de son Encanto (« Enchantement ») on est sous le charme ! Loin de rester dans un style éprouvé, Sergio n’hésite pas à se frotter à la nouvelle génération de producteurs comme Will I Am pour un résultat haut en couleur. Sergio Mendes, à l’instar du compositeur Antonio Carlos Jobim, le guitariste Joao Gilberto et le parolier Vinicius de Moraes, est à l’origine du mouvement bossa nova qui tire son origine de la samba et qui a vu le jour à la fin des années 1950.

Qu’on ne s’y trompe pas, malgré quelques originaux, Encanto est en réalité un disque de reprises, ou plutôt d’adaptations. Entre rythmes de carnaval et mélodies nonchalantes, Mendes y arrange à sa sauce 100% soleil quatre titres phares du grand Carlos Jobim, mais aussi et entre autres le « Look of Love » de Burt Bacharach, déjà transformé en bossa langoureuse sur le cultissime album Brasil ‘66 il y a quarante ans. Le musicien, qui a coproduit ce projet avec Will.i.am des Black Eyed Peas, avec qui il avait déjà collaboré en 2006 , a confié l’interprétation de chaque chanson à différents artistes, dont Carlinhos Brown, Natalie Cole, sa femme Grancinha Leporace, Juanes et… Zap Mama, dont la reprise en français du standard « Waters of March » constitue d’ailleurs la seule faute de goût de l’album. Côté musiciens, le casting est tout aussi impressionnant. De quoi passer quelques bonnes soirées d’été.

Sergio Mendes « Encanto » EPK – International Version
__________________________________

Pianiste de jazz, compositeur, il est parti de Rio de Janeiro, au milieu des années soixante, à la conquête de l’Amérique. Sergio grandit dans la banlieue de Rio de Janeiro. Fils de médecin, il suit gamin des études de piano classique.

« Je m’intéressais plus au football à ce moment-là. C’est quand j’écoutais du jazz que j’étais impressionné et un peu réveillé. J’ai commencé à écouter un peu tous les pianistes de jazz Horace Silver, Art Tatum, Bud Powel et tout ça, ça a changé ma vie. « 

A la fin des années 50, Sergio Mendes fréquente les clubs qui bordent la plage de Copacabana. Il y découvre la bossa nova qu’Antonio Carlos Jobim vient d’inventer avec Chega de Saudade.
« Dans les années 60 à Copacabana, je jouais dans une boîte de nuit. Antonio Carlos Jobim est venu [...] On a travaillé ensemble des arrangements pour moi. On est devenus très copains. »

Sergio Mendes « Funky Bahia »

La Bossa Nova accompagne la révolution douce, initiée par le nouveau président brésilien Kubitschek, qui rêve de faire progresser son pays de 50 ans en cinq ans. À la fin des fifties, il fait sortir de terre à 1000 mètres d’altitude une nouvelle capitale ultra-moderne : Brasilia dessinée par l’architecte Oscar Niemeyer. L’ère du renouveau souffle sur le Brésil. La bossa nova en est l’ambassadrice.

« En 1962, il y a eu un concert de bossa nova au Carnegie Hall, à New York, c’est la première fois que je quittais le Brésil. Il y avait Antonio Carlos Jobim, Joao Gilberto. J’étais avec le Bossa Rio, et on a donné un concert. « 
Grâce à ce concert, la fièvre bossa nova gagne l’Amérique. Dans la salle, Miles Davis et Ella Fitzgerald assistent au sacre de Joao Gilberto, Tom Jobim et Sergio Mendes.

Sergio Mendes – Mas Que Nada :Il y a quarante-ans, l’Amérique se convertit à la bossa. En 1966, Sergio Mendes devient avec « Mas Que Nada » le premier Brésilien à rafler la mise en squattant le top des charts américains.
________________________

Pendant ce temps-là au Brésil, les militaires soutenus par la CIA liquident l’ère Kubitschek. Le 1er avril 1964, le coup d’état éclate, les tanks entrent dans Rio.
« J’ai un fils, Rodrigo, qui est né en avril 64, le jour de la révolution brésilienne. C’était un temps pas sympathique au Brésil. Et j’ai décidé de partir avec mon orchestre, m’installer à Los Angeles et commencer une vie là-bas. »

En Californie, Sergio fonde un nouveau groupe, Brasil 66, et fait pénétrer le son lounge de la bossa, dans les foyers américains.

Sans complexe, Mendes revisite le répertoire anglo-saxon, des Beatles à Burt Baccharah et fait un tabac avec la reprise de « The Look Of Love » en 1968. Les stars d’Hollywood deviennent ses meilleurs amis. Il est même l’invité de la Maison Blanche.

Mas Que Nada featuring the Black Eyed Peas

En s’installant à Los Angeles il crée son groupe Brasil 66’  et mélange la bossa-nova et la pop musique avec des hits tel que « Mas Que Nada » ou « The Look Of Love ». Complice d’Herb Alpert, de Burt Bacharach et aujourd’hui en compagnie du rappeur Will I Am, il reste au sommet des artistes populaires. Depuis quarante ans, sur ses pochettes de disque, il affiche souvent un collier de barbe coupé net, une mèche proprette et un visage affable. Aujourd’hui, la barbiche s’est clairsemée, quelques rides sont apparues, mais le sourire de crooner latino reste intact. Sergio Mendes incarne le swing mâtiné de bossa-nova. Un genre qu’il a mis au monde à l’aube des années 1960 avec son groupe Bossa Rio, qui accueille alors Tom Jobim, João Gilberto ou Stan Getz. «Le plus beau moment de la musique brésilienne», dit-il. Son succès est immense, qui court jusqu’aux Etats-Unis et au Japon. Il est le meilleur ambassadeur des rythmes du Brésil. Mais il fait des jaloux et connaît plusieurs périodes pendant lesquelles le public ne le suit plus. Son pays lui reproche sa «jet-set pop» pour mamies de Las Vegas.

Stevie Wonder ou les Black Eyed Peas vous le diront : « avec lui, l’Amérique s’est crue à Copacabana ». En 2006 Will I Am, leader des Black Eyed Peas réquisitionne Stevie Wonder, Justin Timberlake et Erika Badhu pour travailler avec Sergio Mendes.

« Dans les années 60, il y avait la musique hippie, la soul, le rock, le blues, le jazz. Et puis Sergio Mendes est arrivé en disant « Hé, vous connaissez la musique brésilienne? ». C’est lui qui l’a importée aux Etats-Unis. »

Quarante ans après s’être frotté à la pop, Sergio Mendes récidive en relevant la bossa à la sauce hip-hop des Black Eyed Peas et de Will.I.Am.

Album : Sergio Mendes « Encanto » – Universal / Universal Music Division Ulm [universal]

Liens :
http://www.sergiomendesmusic.com/www.myspace.com/sergiomendes

Ils viennent d’Outre-Manche et possèdent une relative notoriété, avec une des meilleures ventes de la scène indépendante britannique. Nos quatre joyeux lurons, Joie HINTON (claviers), Merv PEPLER (batterie), Ed WYNNE (guitare) et John EGAN (flûte) n’ont jamais renié l’influence considérable qu’exerce GONG sur leur musique, en particulier le GONG de la fameuse trilogie The Flying Teapot , Angel’s Egg et You.

Une musique bariolée au multiples influences, sachant vivre avec son temps. Une musique qui a toujours su mêler avec intelligence ce que le monde entier produit en ondes musicales.

Mix de rock planant et psyché, on embarque ici sur un vaisseau intersidéral pour un voyage d’une quarantaine de minutes qui viennent aérer étrangement toute cette folie sonore. Folie certes, mais pas anarchie : tous ces éléments se succèdent au cours des morceaux et ne s’enchevêtrent que rarement, évitant ainsi toute cacophonie. Ca part dans tous les sens et pourtant cela reste cohérent, tel est le tour de force d’Ozric. Une qualité et aussi un défaut ; trop spécialisée pour déferler dans les charts européen, cette musique reste assez exquise pour charmer n’importe quelle oreille

Le meilleur exemple est toujours d’écouter un petit morceau ou 2 via Youtube

Ozric Tentacles est un groupe intègre qui, contrairement à de nombreux groupes prêts à toute forme de racolage pour élargir leur auditoire, base sa politique sur le respect de son public. Au fil des albums, aucune concession n’a été faite : par exemple, les parties vocales sont toujours absentes. Le revers de la médaille est sans doute l’absence d’une réelle évolution dans son œuvre. Certains y verront l’exploitation d’un filon rémunérateur; les amateurs rétorqueront qu’au moins, Ozric a eu le courage de rester fidèle à son attitude et ses idéaux musicaux (la meilleure preuve de cela est que le groupe continue à s’autoproduire sur son propre label, Dovetail)