Il est de ces soirs, où l’on pressent l’indicible très particulier d’un moment rare. Pleyel, la grande salle classique des beaux quartiers, du « beau » monde (le public est moins « grand public » et diversifié que certains des concerts précédents). Les lumières s’éteignent…

Mon avis : Un effort des organisateurs. Pleyel, c’est généralement très bien pour le classique, les oratorios, mais pour les concerts world, l’atmosphère fait davantage papier glacé. Pour cette fois, de grands pendrillons noirs recouvrant l’arrière scène et des éclairages, qui bien que sobres, sont un peu plus recherchées qu’à l’accoutumée. De quoi créer une intimité et une espèce de proximité. Le son, clair et assez rond, est d’un rendu plus que correct, mais sans grande personnalité (n’est pas ECM qui veut).

Anouar Brahem entre en scène avec ses musiciens. Comme d’habitude, il est sobre, très peu expressif, concentré, presque froid et ne dit aucun mot. Et le concert commence, réplique de l’album…

Mais voilà, ce n’est plus l’album, c’est autre chose, c’est même mieux que l’album ! Sur The Astounding Eyes Of Rita, il y a retour plus marqué à la musique fusion du jazz et de l’oriental, avec des instruments bien plus graves et percussifs que ne l’étaient ses deux précédents albums, décrits comme une musique contemporaine jazz de chambre. Fini le piano, l’accordéon, la tristesse, la mélancolie de cette « nouvelle Andalousie », où le genre ne pouvait être véritablement être situé, tant il emmenait vers un ailleurs. C’était si beau, si à cheval sur l’équilibre précaire de l’harmonie soyeuse, que le « live » se devait d’être très encadré et respectueux de l’enregistrement d’origine, poussant parfois le trouble d’un mimétisme plus qu’apparent, entre le vu de scène et l’entendu de l’album.

Ici, par l’esprit jazz, l’improvisation reprend le dessus. Pas folle et débridée, certes, mais belle et bien là, d’une touche légère et exquise. Les premiers morceaux passent. La douceur s’installe. Les musiciens prennent de l’assurance jusqu’à ce titre (quelle émotion sur Stopover At Djibouti notamment) éponyme de l’album The Astounding Eyes Of Rita. Déjà bien que touché du superbe sur l’album, il prend une dimension telle que je n’aurais pu le soupçonner. La magie était lancée. On sentait que le grand concert était en œuvre. Puis cette pause. Retour sur l’album précédent, Le voyage de Sahar, en trio : oud, basse et clarinette basse. Magnifique ! Il est rare que je ne m’arrête à ce qualificatif, mais je suis en manque de mots pour décrire la sensation. Et ce dont on pressentait, on en a la confirmation : Bjorn Meyer est un très très grand bassiste. Il réharmonise intelligemment, fait preuve d’invention et d’une musicalité rare dans l’instrument de la basse électrique pour une musique pareille d’une telle fusion des genres. Des notes venues d’on ne sait où, de l’aérien et de la joie ! Le sourire de tout le concert, heureux qu’il était d’être là. Sa joie, humble et sincère, apportait à l’ensemble cette exception sans en parasiter l’écoute. Mais aussi Klaus Gesing. Moins expressif de visage (évidemment) mais d’une douceur musicale, avec de l’ampleur sonore, il flirte avec le saxophone ténor, la clarinette des premiers albums d’Anouar Brahem. Dans l’esprit et parfaitement particulier. C’est une joie rare de l’écouter.

Ce titre, milieu du spectacle, synthétise l’esprit de la soirée. La suite s’en est découlée, sans jamais s’effacer, mais se renforçant au contraire par des improvisations qui éclairaient les 4 derniers morceaux de l’album. Meyer continuait d’émerveiller et Gesing de nous transporter. Anouar Brahem servit au mieux n’avait plus qu’à nous enchanter.

Le public ne s’y est pas trompé. Ovation, rappels, dont le très beau Halfaouine. Exceptionnel par son extraordinaire et vice versa (sic). Visiblement très touchés de ces applaudissements, Meyer et Gesing nous remerciaient. Leur émotion était palpable, tandis que Khaled Yassine (le plus effacé de la soirée, mais pas moins efficace) semblait plus intimidé, mais néanmoins très touché. Anouar Brahem souriait ! Son plus beau concert que j’ai pu voir. Que voulez-vous que je dise ?! Je me sentais chanceux d’être là. Et tout simplement heureux…

Anouar Brahem oud
Klaus Gesing bass clarinet
Björn Meyer bass
Khaled Yassine darbouka, bendir

PS : apothéose de la soirée, la remise de la médaille de Chevalier des Arts et des Lettres remise par Frédéric Mitterand à l’issue du spectacle, à Anour Brahem, à son insu, et en présence de Manfreid Eicher, présent pour les 40 ans de son label ECM. Voir l’article.

PPS : je vous ai mis le titre en écoute The Astounding Eyes Of Rita dans la sélection musicale, ainsi qu’un titre de Bjorn Meyer (Modul 44) accompagnant le pianiste Nik Bärtsch. Klaus Gesing, j’avais déjà mis un titre il y a quelques temps avec Norma Winstone. Je vous en met un extrait d’un autre album (pas ECM) sorti en 2003, toujours avec Norma Winstone (San Diego Serenade).

Pour écouter une interview d’Anouar Brahem.

Mon avis : Le dernier album occupe tout juste la moitié du spectacle. On y retrouve des anciens morceaux, Les minots, Ouro preto, La valse des adieux, Après la pluie. Je peux comprendre que Je ne voudrais pas crever, avec Jean Louis Trintignan ne puisse être joué, mais pourquoi pas La place Sainte Catherine (qu’il avait pourtant interprété en trio à l’émission Le fou du roi vendredi dernier sur France Inter) ?

Mais ne boudons pas notre plaisir. Daniel Mille est égal à lui-même : humilité, talent, partage, émotions… et particulièrement bien entouré. Mille déclare qu’il ne joue pas que du jazz, mais qu’il ne peut être accompagné que par des musiciens jazz. Cela se vérifie parfaitement. Piano, contrebasse et batterie (Alfio Origlio, Jerome Regard, André Céccarelli, du solide en quelque sorte) sont plus qu’efficaces : ils sont mélodieux, inventifs, aussi bien introspectifs que très « groove », respectueux mais aussi libres d’arpenter les harmonies de l’improvisation. Ivresse assurée !

Le trompettiste (Julien Alour) est lui apparu moins à son aise au début du concert, un peu fébrile. Notes peu assurées et assumées, tremblotantes, fausses parfois ( ?), il a fallu plusieurs titres pour que virevolte enfin la joie communicative de son souffle, et notamment s’envole à l’unisson du pianiste sur un morceau comme Les beaux jours par exemple. Il remplaçait (au pied levé ?) Stéphane Belmondo, initialement annoncé.

Daniel Mille est l’homme orchestre du regard, laissant la place de s’exprimer et même de s’effacer quand il le faut. Plus qu’improviser, il imprègne les morceaux de son univers, de ses affects et de son sensible. Moins jazz que ses congénères, mais aussi plus mélodique. L’essentiel était visé et largement atteint au-delà de l’excellence. Et nous, nous ressortions conquis et délicatement joyeux.

Avec : Daniel Mille (accordéon), André Céccarélli (batterie), Jerome Regard (contrebasse), Alfio Origlio (piano) et Julien Alour (trompette).

Pour écouter l’album :

Mon avis : bien que d’une forme physique amoindrie (il eut un malaise le matin même, causant presque l’annulation du concert) Renaud Garcia-Fons a tenu à assurer sa première et seule date parisienne pour la sortie de son dernier album. Et ce fut un moment remarquable, empreint de magie et très émouvant.

De cette fragilité physique, Renaud Garcia-Fons a recherché une forme d’épure musicale, comblant par l’émotion et la sincérité la fébrilité passagère de sa virtuosité. D’autant qu’il peut compter sur ses camarades de scène pour le soutenir et combler les éventuelles défaillances et coups de fatigue. Tant et si bien que ce qui aurait pu se révéler comme handicapant à l’appréciation de son talent s’est transformé en alchimie et partage musical.

Certes, on peut remarquer des solos plus courts, moins porteurs d’une envolée lyrique qu’à l’accoutumée, mais on a pu se laisser bercer par le charme enchanteur d’une formation à l’écoute.

Kiko Ruiz, guitariste flamenco, se détendant peu à peu, nous a fourni une présence sûre, savante et enthousiasmante, de laquelle il ressort une grande complicité avec Renaud Garcia-Fons. Son duo avec la chanteuse Esperanza Fernandes fut très émouvant et profond.

Pascal Rollando, aux percussions, fut infaillible. Efficace et varié, il a toutefois un peu manqué de « folie » et son solo rythmique était ce qu’il y avait de plus convenu. Si bien qu’il semblait un peu en retrait des autres. Dommage, j’en aurais attendu davantage.

David Venitucci, à l’accordéon, fut quant à lui l’égal de Ruiz et Garcia-Fons. Il donnait l’âme et la couleur de la formation. Tantôt aux couleurs du monde, tantôt proche de la culture populaire française, le tout inscrit dans un esprit jazz, il nous a apporté la touche émotive supplémentaire qui finissait de convaincre de l’ensemble.

Comme sur l’album, Esperanza Fernandes est venue prêter sa voix. Flamenquiste de tradition musicale, elle a l’ouverture musicale pour pratiquer la fusion musicale entre le flamenco, le jazz et les musiques du monde. Ce qui est très appréciable et donne ainsi à sa voix des couleurs supplémentaires, qui ne semblaient pas se  dégager de prime abord.

Et puis Renaud Garcia-Fons. Emporté par l’élan et l’accueil plus qu’enthousiaste et chaleureux du public, pas simplement compatissant, il a su dépasser (transcender ?) son état fébrile. Sa maîtrise a compensé la forme virtuose que revêtent ses prestations (comme sur son album Arcoluz) en une émotion plus intérieure et sensible, nous proposant ainsi une prestation d’une honnêteté et d’une générosité rares dans nos vies courantes. A cheval entre les traditions, les musiques populaires, la musique de film (on sent les influences d’un Delerue, Wiener), le jazz, l’Amérique du Sud, l’Orient et bien sûr le flamenco. C’est une véritable fusion, d’une sonorité actuelle ; on est au plus près de la création contemporaine, de ce que peut nous offrir de meilleur les musiques improvisées, jazz et world. A faire résonner la gamme flamenco en une effusion de couleurs occidentales et orientales. L’équilibre et l’harmonie des modes harmoniques. Ça laisse rêveur d’une similitude autre que simplement musicale…

Au final, des rappels, que, fort désolé, Renaud Garcia-Fons ne se sentit pas suffisamment en forme pour tous honorer. Ils n’en sont que remis à la prochaine fois.

RENAUD GARCIA-FONS (cb)
DAVID VENITUCCI (acc)
KIKO RUIZ (g flamenca)
PASCAL ROLLANDO (cajon, perc latines)

invitée : ESPERANZA FERNANDES (vocal)

Mon avis : C’est un peu par curiosité que je m’y suis rendu (je n’avais pas écouté l’album de ce nouveau projet des musiciens Magic Malik et Minimo Garay). D’autant plus que la présence du pianiste Laurent de Wilde finissait de me séduire. L’intuition a du bon, et cette première mondiale (ça sonne grandiloquent, écrit comme ça) s’est révélée de très bonne facture.

Certes, les imperfections d’une première sont là : hésitations, manque de rodage, tâtonnements, de petites erreurs… mais l’énergie et la bonne humeur communicative de Garay les ont supplantées. Ajoutez à cela un très bon Laurent de Wilde, invité de marque, dans un style jazz latino et bop de facture très « classique », et cependant remarquable d’inventivité et de partage, et vous obtenez l’alchimie d’une première soirée de semaine enchanteresse.

Garay, c’est le genre même du musicien de scène. Son talent s’exprime pleinement par ce moyen. Il n’est qu’à entendre ses productions de prestations live. Lorgnant vers la pop, avec les sonorités d’un jazz pop des années 80 avec une « grosse » voix latine, ses enregistrements ne révèlent pas la richesse et surtout la chaleur de sa présence. C’est par conséquent un vrai régal de pouvoir l’entendre « live ». Il dirige la formation, assurément et énergiquement, plaisante durant les intermèdes, commente ce qui se passe et se dit. Il se met en scène dans le rôle du musicien enthousiaste et imposant. C’est assez réussi. Se permettant même de s’amuser de la perte d’une de ses baguettes lors d’un des breaks, tout euphorique qu’il était.

Magic Malik, c’est la figure d’un jazz fusion lorgnant vers le free. Sa flûte, il la triture, et fait sortir de ses tripes des sonorités souvent étonnantes. Il se permet, grâce à sa technique, de chantonner et de pousser la voix lors de solos, le tout d’une manière tranquille et néanmoins impressionnante. C’est d’ailleurs peut-être son principal défaut. Ça sonne parfois « out » (en dehors de la grille harmonique), et ce dès le premier morceau (c’était une de ses compositions). Faut être habitué, c’est du Magic Malik. Peut-être moins d’expansion virtuose lors de ses solos dans cette formation, ce qui, pour ma part, ne le rend que plus agréable.

La contrebassiste quant à elle semblait quelque peu « sous pression » pour cette première. Sobre et efficace, sans toutefois faire preuve d’inventivité, son solo (unique lors du concert) fut d’une banalité parsemée d’accrocs. Certainement loin d’être à son avantage lors de cette prestation.

Alfonso Pacin, c’est la mémoire et la touche traditionnelle argentine faite d’espiéglerie. Davantage à l’aise dans le traditionnel argentin que dans le jazz improvisé, il apporte la sonorité et la couleur spécifiques de la formation, surtout avec son charango.

Et Laurent de Wilde. Loin de son projet électro avec Otisto 23, il a montré lors de cette rencontre son talent et sa diversité. Même pas surpris…

Le final est un rendu plaisant duquel on ressort convaincu. Les petites imperfections ne le rendent que plus agréable. Et c’est bien.

M. MALIK (fl)
M. GARAY (perc)
L. DE WILDE (p)
S. MURCIA (b)
A. PACIN (charango, vln, g)

Mon avis : Hadouk trio fait parti de ces groupes qui m’inspirent dans ma musique et qui m’accompagnent dans mes voyages musicaux, mes moments d’évasion. Alors, autant dire qu’en concert, je m’attends à retrouver ces sensations, où le fragile équilibre de la vibration sonore atteint le point de l’émotion partagée et intense.

Ce fut réussi. Toujours aussi peu diserts sur leur musique les membres du groupe semblent s’isoler pour mieux se retrouver. Ils savent par instinct et expérience qui reprendra quoi et où. Un début, sans mots, où ils entament le tour des titres de leur dernier album avec quelques « standards » de leurs précédents (dont les fameux « Barca Solaris », « Zeff »,…).

Deux heures de spectacle qui coulent, bercées des sonorités du monde entier. Hadouk trio, pour ceux qui ne connaissent pas vraiment, c’est du jazz world fusion, si on devait mettre une étiquette. Mais ils la transcendent, car ils habitent leur musique par leur interprétation, leur histoire et leur improvisation.

On navigue du jazz, à la musique africaine, orientale, à la bossa, à la salsa… des instruments à vents d’origines diverses de Didier Malherbe (qui a joué avec Gong, Pierre Bensusan,…), des percussions variées de Steve Sheehan (qui joue beaucoup de musiques traditionnelles du monde) et un clavier de Loy Ehrlich toujours aussi éclectique (du piano électrique Fender Rhodes des années 70 aux tambours du gamelan et autres nappes synthétiques) mais aussi de la Kora, je crois, avec sa basse africaine.

Que dire de plus, cela s’écoute, s’apprécie et se savoure. Si on écoute leur enregistrement Live à Fip, sorti en 2004, on a l’idée la plus juste de ce qu’est Hadouk trio en concert : incroyablement fin, intelligent, sensible et rare. Ils synthétisent une certaine idée de la fusion. Sans compter le sens du visuel et du show, à l’instar de Malherbe et ses toupies valses aux conséquences sonores et tactiles imprévisibles.

Toutefois, malgré l’enthousiasme de la salle, on pouvait sentir un peu de retenue, peut être due au cadre un peu intimidant et le solennel de la rencontre du JVC Jazz Festival. On ne fut pas toujours sur des improvisations débridées et qui prennent le temps à chaque titre (le « Barca Solaris » notamment). On pouvait regretter également le temps pris entre les morceaux, certes nécessaire, mais qui brisait l’homogénéité de l’ensemble. Mais ce ne sont que peu de choses comparées à l’excellence de la prestation.

Et que dire de ces rappels mérités et réclamés (par exemple ce titre mélange de sonorités laotiennes, rythmiques groove-dub, et percussions sud américaines et africaines), dont le dernier absolument imprévu et interprété toutes lumières de la salle allumées, public debout dont une partie dans le hall, vestes sur le dos ?

Que c’est Hadouk trio ; leur humilité et l’amour de la musique vous font changer votre façon de percevoir et vivre la musique…

Mon avis : Le cadre du théâtre de la Reine blanche se prête à ce type de concert, presque intimiste : c’est de l’unplugged sans quasiment aucune amplification (sic). Aubry est passé de la musique de niche, connue de quelques connaisseurs, à la limite d’un élitisme, à une musique populaire, dans le sens noble du terme.

Autant le dire, c’est très plaisant. On y retrouve, selon les titres, une certaine madeleine de Proust. On y ressent une légèreté, un ton presque guilleret, éloigné de l’univers plus sombre et mélancolique de ses dernières compositions solo.

Lui le soliste s’entoure désormais d’une famille musicale. Il sait s’effacer, et laisser prendre les devants à ses comparses. Mais loin d’un jazz improvisé normé, tous oeuvrent à la cohérence et l’humeur des morceaux et ne s’écartent pas du chemin.

Oscillant entre rythmes répétitifs, minimalistes (et entêtants) et mélodies aérées, la musique d’Aubry ouvre sur un véritable univers sonore riche d’images et de sensations. On reconnaît sa patte. On se sent à l’aise, dans une certaine familiarité qu’il fait bon y être. Ses influences sont multiples et les références nombreuses.

Le public fut très enthousiaste, conquis d’avance. Et j’en ferais presque partie intégralement si ce n’était de petits accrocs.

Parfois un manque de justesse, un peu trop récurrent pour ma part, a perturbé l’écoute. Si le batteur-percussionniste avait ce petit grain de folie, on sentait tout de même un poil de conformisme (dans les attitudes et la musique) chez la plupart des autres. Quelques fausses notes, bien charmantes, happées par la bonne humeur générale. On pourra noter aussi parfois des moments musicaux un peu flottants, assez étonnants pour ces musiciens.

Toutefois pas le concert de l’année, il en ressort néanmoins la sensation d’un moment plus qu’agréable au plaisir commun et partagé. Aubry, c’est de la musique (bien plus savante qu’il n’y paraît) dans ce qu’elle a de plus immédiat.

Et c’est bien le principal.

Le site officiel : http://www.hopimesa.com/aubry

Marc Buronfosse : Contrebasse

Marco Quesada : Guitare

Antoine Banville : Percussions

Daniel Beaussier : Clarinette, Saxophone, Hautbois

Stefano Genovese : Piano

Jean-Marc Ladet : Violon

René Aubry : Guitare, Mandoline, bouzouki, Banjo, accordéon, chant
 

Evry, concert d’ouverture du festival, 1° édition, Vagamondes consacré aux rencontres entre les 2 rives de la Méditerranée, avec la Tunisie à l’honneur. Anouar Brahem donc, en trio, en tournée de son dernier album Le voyage de Sahar, 2° opus avec ses musiciens du moment François Couturier au piano et Jean Louis Matinier à l’accordéon. « Anouar Brahem est considéré aujourd’hui comme le joueur de oud le plus talentueux et innovant de son pays. Musicien tunisien nourri de tradition arabe, de jazz et de musiques actuelles, il tente ici l’expérience du trio avec l’accordéoniste Jean-Louis Matinier et le pianiste François Couturier, et propose une musique cosmopolite oscillant entre pudeur et sensualité, nostalgie et recueillement. »

Mon avis : Anouar Brahem est de ces personnes qui vous changent la perception de la vie. Pour moi, il y a eu, assez nettement, la musique avant, et surtout après Anouar Brahem. Je me souviens que d’une première écoute, il restait la sensation d’un grand virtuose, empreint d’une sensibilité enchanteresse et d’une émotion maîtrisée. Aux écoutes suivantes, s’immisce la certitude que l’on est en présence d’une harmonie exceptionnelle avec la musique.

J’avais assisté aux précédents concerts donnés pour ses albums Astrakan Café et Le Pas du chat noir. Celui-ci accompagne la sortie du Voyage de Sahar, qui est la suite directe du Pas du chat noir avec les mêmes musiciens. La découverte n’est donc pas au rendez-vous pour les connaisseurs.

On peut remarquer une décontraction plus apparente entre Couturier et Brahem, et la complicité s’est accrue, Matinier semblant toujours quelque peu en retrait. Comme auparavant, le trio interprète les titres de l’album (seulement), sans déroger à la règle, dans le même ordre (exception faite du titre « Vague / E la nave va »).

Ainsi un concert de Brahem est à comprendre comme l’écoute d’un de ses albums. Pas d’interventions, des morceaux qui s’enchaînent (Anouar ne semble pas supporter un trop long temps entre), un tempo proche de l’original, l’humeur reconstituée. Concert oblige, et la qualité de ses musiciens, il laisse la part d’improvisation s’immiscer. Mais s’immiscer seulement, jamais elle ne doit supplanter, ni être dominante par rapport à la construction originale. Il semble presque la redouter.

C’est pourquoi les phases de libre cours à l’improvisation sont clairement dessinées et encadrées. Anouar Brahem improvise peu par rapport à ses parties originales, mais varie énormément dans ses attaques, dans ses trémolos, allers-retours sur les cordes.

La musique de Brahem sur ses 2 derniers albums est très précisément écrite, chaque variation et évolution parfaitement pensée. La précision harmonique est à ce prix et au vu du résultat, sans contestation.

Le concert devient ainsi presque la gageure de sa musique aux influences des musiques improvisées (jazz et orientales). Il faut reconstituer l’harmonie précieuse tel l’équilibriste sur son fil en apesanteur, comme l’est la rigueur d’un musicien classique, en permettant l’improvisation inhérente à son essence.

On obtient ainsi un étrange poétique, un ailleurs musical fait de précision, tout autant que de libertés nées de la contrainte harmonique et de la composition.

Brahem est au sommet de son art : virtuose autant qu’épurée, sa technique est devenue complètement transparente au service de sa musique. Il dirige, bien qu’en douceur, fermement ses compositions et les interventions de ses camarades de jeu. Il veut ressentir au plus près la vibration originale des instruments, éloignant toute source sonore amplifiée.

Couturier et Matinier l’accompagnent d’une quasi perfection, « autorisés » à s’exprimer en quelques chorus d’une ampleur et d’une musicalité mélodique et rythmique de haute tenue. On sent l’influence de l’album de Couturier, Nostalghia, musiques inspirées des films de Tarkovski et un jeu plus riche harmoniquement.

Si j’avais été complètement conquis par son concert de sa précédente tournée, celui-ci me semble légèrement moindre, et cela tient tout simplement, je crois, au fait que Le voyage de Sahar n’atteint pas le sublime et le génie du Pas du chat noir dans la richesse des compositions musicales. La suite d’un tel monument était périlleuse. Elle s’en tire quasiment à l’identique.

Le public, chaleureux, en redemandait, saluant la prestation extraordinaire du trio (comme à chaque fois presque), qui nous a gratifié de la reprise du titre « Leïla au pays du carrousel » (de l’album Le Pas du chat noir).

Enchanteur…

Pour ce qui est des compositions elles-mêmes, je reprends la critique suivante, que je fais mienne :

« Cet album est à la fois un prolongement de la tradition de l’oud mais il s’en écarte aussi d’une manière audacieuse. Malgré sa connaissance impressionnante des maqamat, un système extrêmement riche de modes dans lequel la musique arabe s’enracine, Brahem base rarement ses improvisations directement sur le maqam. Son phrasé est pur et dépouillé, s’exprimant presque autant par le silence que par le son… Composée de lignes qui coulent avec élégance et de sombres silences de respiration, la musique virevolte avec les harmoniques du piano… plusieurs mélodies sont basées sur des accords arpégés, répétés à la manière enfantine de Satie. Quoi que simples, elles contiennent cependant des arabesques envoûtantes. Les trois musiciens apparaissent rarement ensemble, et sur les 12 plages de l’album, seules sept sont jouées en trio. La plupart du temps ce sont des duos qu’on entend, piano et oud, oud et accordéon, accordéon et oud. Souvent les musiciens reprennent les lignes les uns les autres, mais rarement à l’unisson, accentuant ainsi le caractère intimiste de la musique tout en produisant un effet flottant, d’écho. Si les ensembles projettent toujours « l’image d’une communauté » comme le critique Greil Marcus l’a suggéré, alors le trio de Mr Brahem – partie takht, partie trio de jazz, partie ensemble de chambre – évoque une sorte d’Andalousie du 21ème siècle, dans laquelle les sensibilités européennes et arabes se sont si profondément fondues que les frontières qui les séparaient se sont complètement dissoutes. L’image peut paraître utopique, mais sa beauté est indéniable. »
 
Adam Shatz
The New York Times  à propos de l’album Le Pas du Chat Noir

Quelques éléments de biographie (provenant du site officiel) :

Anouar Brahem naît à Halfaouine, dans la Médina de Tunis, le 20 octobre 1957. Après s’être initié à l’oud dans le cadre du Conservatoire National de Musique de Tunis, il poursuit sa formation auprès du grand maître Ali Sriti qui en fait son disciple et lui enseigne la musique savante arabe, le Maqam, et l’art de l’improvisation, le Taqsim. Anouar Brahem affirme déjà une personnalité multiple en se donnant comme mission de restaurer le oud en tant qu’instrument soliste, emblématique de la musique arabe, tout en rompant avec la tradition dans son travail de composition intégrant des éléments de jazz ainsi que d’autres traditions musicales orientales et méditerranéennes.

En 1981, il s’installe pour quatre ans à Paris, période pendant laquelle il collabore avec Maurice Béjart et compose de nombreuses oeuvres originales, notamment pour le cinéma tunisien.

Entre 1985 et 1990, de retour en Tunisie, il poursuit son travail de composition et par de nombreux concerts, acquiert une authentique notoriété publique.

En 1990 il rencontre Manfred Eicher qui lui propose d’enregistrer son premier disque pour le prestigieux label ECM. Barzakh marque le début d’une collaboration particulièrement féconde qui en l’espace d’une petite douzaine d’années verra Anouar Brahem s’entourer des musiciens les plus talentueux tous genres et cultures confondus (Barbarose Erköse, Jan Garbarek, Dave Holland, John Surman … ) et signer pas moins de 8 albums, tous consacrés par le public et la critique : Conte de L’ Incroyable Amour (1991), Madar (1994), Khomsa (1995), Thimar (1998), Astrakan Café (2000), Le Pas Du Chat Noir (2002) et Le Voyage De Sahar (2006).

DISCOGRAPHIE

 ECM 1915

Le Voyage de Sahar – 2006

Anouar Brahem : oud
François Couturier : piano
Jean Louis Matinier : accordéon

Prix et récompenses :

Edison Award
Stereoplay, Die audiophile Jazz-CD
Classica-Répertoire, R10 Classica
The Gramophone (South Korea<), Editor’s Choice
Irish times ******
The independent ****
NMZ shallplatten ******
Stereo *****

ECM

Vague - 2003
(édition limité en Belgique et en France)

Une sélection des plus belles mélodies d’Anouar Brahem

Télérama

ECM 1792

Le Pas du Chat Noir – 2002
Anouar Brahem : oud
François Couturier : piano
Jean Louis Matinier : accordéon
 

 Télérama
« Recommandé » Classica
« Choc » Jazzman

 ECM 1828

Charmediterranéen – 2002

Orchestre National de Jazz
Dirigé par Paolo Damiani
avec Anouar Brahem et Gianluigi Trovesi

ECM 1718

Astrakan Café – 2000
Anouar Brahem : oud
Barbaros Erköse : clarinet
Lassad Hosni : bendir, darbouka
The Guardian
« Recommandé » Classica
Stereo
Jazz Wise

 ECM 1641

Thimar – 1998
Anouar Brahem : oud
John Surman : bass clarinet and soprano saxophone
Dave Holland : double-bass
Preises der Deutshen Schallplattenkritik
The Guardian
Télérama
« Recommandé » Classica
« CD of the year » Jazz Wise

Down Beat
« CD des Monats » Stereoplay

ECM 1561

Khomsa - 1995
Anouar Brahem : oud
Richard Gálliano : accordion
François Couturier : piano, synthesizer
Jean Marc Larché : soprano saxophone
Béchir Selmi : violin
Paelle Danielsson : double-bass
Jon Christensen : drums

Down Beat
The Guardian
« Choc » Le Monde la Musique

 ECM 1515

Madar – 1994
Jan Garbarek : tenor and soprano saxophones
Anouar Brahem : oud
Ustad Shaukat Hussain : tabla

« CD des Monats » Stereoplay
« Choc de l’année » Le Monde la Musique
« Die besten Aufnahmen des jahres » Stereoplay

ECM 1457

Conte de l’incroyable amour – 1992
Anouar Brahem : oud
Barbaros Erköse : clarinet
Kudsi Erguner : nai
Lassad Hosni : bendir,darbouka

Sélection « meilleurs disques de l’année » Le Monde
« Los Mejores discos de 1992″ Ritmo

 ECM 1432

Barzakh – 1991
Anouar Brahem : oud
Béchir Selmi : violin
Lassad Hosni : percussions

 Toutes les infos discographiques sont sur le site ECM Records

COMPLEMENTS :

Je vous ai fait une petite sélection des titres marquants d’Anouar Brahem dispo sur Youtube. Pas de clip officiel, ni d’extrait de concert, ni de piste audio brouillonne, mais les véritables morceaux des albums mis en image par des anonymes « inspirés » en hommage au musicien (que la musique les ait inspirés, cela ne fait aucune doute, qu’ils aient été inspirés dans leur montage, c’est de très loin une autre chose !). A regarder les yeux fermés, pour n’écouter que la musique…

[youtube ff_qwu57hok&hl=fr]

Leïla au pays du carrousel (Le Pas du Chat Noir)

[youtube HZNGbMnCbIg&hl=fr]
Kashf (Thimar)

[youtube JkIpezYsPbk&hl=fr]
Parfum de Gitane (Astrakhan Café)

[youtube CS8ih23yWSg&hl=fr]
Raf Raf (Barzakh)

[youtube h1dH2v-V6y0&hl=fr]
Le pas du chat Noir (Le pas du chat noir)

[youtube tOyG3xbZ3Qc&hl=fr]
Vague / E la Nave Va (Le voyage de Sahar)

Mon avis : J’assume pleinement la dithyrambique chronique, et sûrement peu objective, qui suit. J’ai été conquis et transporté par le trio. Retour sur les derniers albums avant toute chose. Si Entre chien et loup, avec le titre « Les minots » notamment (le titre le plus profond et mélodique à mes yeux de l’album) marquait la patte de Daniel Mille sur un jazz acoustique français contemporain, son dernier opus Après la pluie atteignait quasiment de bout en bout à l’univers onirique intime, mélancolique et introspectif, puissant et profond, le plus complet et émouvant que seule la musique offre parfois, et rarement, en cadeau. Dans cet intervalle, il a également enregistré 2 albums textes lus (d’Apollinaire et d’Aragon) mis en musique avec Jean Louis Trintignant : La valse des adieux et Lou alcools.

Ainsi le trio reprend quelques uns des thèmes marquants : « Après la pluie », « Les minots », « La valse des adieux », « Les soirs de pleine lune »… le violoncelle est sûrement l’aspect le plus étonnant de prime abord. Autant on peut le comprendre aisément dans une formation plus large, autant il pouvait sembler limité en trio. Erreur de jugement. Le violoncelle est joué pizzicato, et très rythmique. L’effet percutif marque le groove qu’une ligne de basse souligne ici et là. Le glissé de l’archet enveloppe le tout. Eric Longsworth, impeccable de maîtrise rythmique, improvise également avec un phrasé tout en délicatesse.

Eric Séva s’inscrit lui davantage dans une tradition du jazz et la lignée des saxophonistes, mais qu’il revisite et adapte à l’univers de Mille. Puissance sonore alliée à dextérité, il enchaîne avec des chorus au délié souple et tout en finesse. Sonorités d’ailleurs et de nulle part, il fait voyager dans son imaginaire. Investi, il termine les 2 sets épuisé.

Et puis Mille. On en oublierait presque qu’il est l’élément principal. Bien que discret, il accompagne, dirige et mène la barque vers son pays musical. Il fait confiance à ses camarades. Il ne se met pas en scène de manière narcissique. Il vise l’épure et touche à l’essentiel. Il fait ce que je voudrais faire et entendre. Il suggère, amorce, annonce et conclut mes envies, mes attentes. Jamais contraint, ni soumis à son rythme, je l’accompagne.

Simplement, tout ce que j’aime…

Daniel Mille – accordéon ; Eric Seva – saxophones ; Eric Longsworth – violoncelle.

Mon avis : Autant le dire, c’est du très haut niveau. Associé à la finesse, au raffinement et à la virtuosité de Angelich, voilà de quoi faire apprécier. Et pourtant, je n’ai pas réussi à véritablement adhérer. Oh, non pas que cela soit mal joué, ni même mal interprété. Bien au contraire. Des deux parties, j’ai préféré la première. Schubert me parle plus et son Brahms est effectivement introspectif, aérien, parfois ténébreux. Beethoven m’a peu touché. Hormis quelques variations, plus sombres et lentes.

Le jeu de Angelich est clair, limpide, cristallin dans les aigus, maîtrisés et rond dans les graves. Ce qui est écrit, ici et là, de flatteur sur lui, est juste. Mais peut-être trop, justement. A mon sens, c’est « trop » bien fait. Cela me donnait parfois l’impression de l’élève si brillant, à qui l’on n’a rien à reprocher, qui domine son sujet, l’éclaire de nuances. On sait que tout est bien, mais il y a quelque chose qui ne va pas, sans trop savoir quoi.

Il nous fait partager sa musique, très savante. Mais jusqu’à un certain point. Me voici à regretter de n’être pas chez moi à écouter et surtout réécouter Angelich au calme, détaché du monde. Le théâtre me semble indécent, agissant comme perte de la profondeur de la musique. Le public, ravi, est satisfait. Il a eu ce qu’il voulait.

Bien, mais sans surprise, je me sens peu transporté. Les parties virtuoses s’étirent dans l’attendu. L’introspection creuse la sensibilité convenue. Pas de surprise en somme. Oh, bien sûr, en quelques moments (trop rares pour moi), la magie opère.

Je me suis senti étranger. La salle quant à elle fut plus absorbée. Me voilà bien ennuyé, à ne pas plus apprécier que cela. Mais bon…

Programme :

Schubert : Sonate n° 5 en la mineur D. 537
Brahms : quatre Ballades opus 10
Beethoven : Trente-trois variations sur un thème de valse de Diabelli op. 120

La première partie : Lili

Une chanteuse arrive seule sur scène et chante directement sans s’adresser au public. Morceaux a capella, pas mauvais mais je n’accroche pas. Les variations de notes et d’intensité sont parfois un peu brutales, mais la voix n’est pas mal. Deuxième morceau, un guitariste arrive, puis un musicien qui jongle entre saxophone, clarinette et petit piano d’enfant en bois (le piano bien sûr).

Globalement, je n’ai pas spécialement accroché au style de « Lili », le chant ne m’a pas convaincu, surtout quand elle chantait en anglais. J’ai préféré les 2 morceaux en français.

Les Wriggles :

Sur le plateau : 4 paravents sur roulette pour organiser l’espace. Les Wriggles arrivent toujours de rouge vêtu. Le concert, enfin plutôt le spectacle, était super!

Ils ne sont plus que trois mais l’énergie est toujours là. Je dirais même que Les Wriggles sont revenus dans un registre plus comique et moins mélancolique que le dernier opus « Moi d’abord« . Les textes et la mise en scène sont drôles, percutants et corrosifs. Ils n’hésitent pas à égratigner le monde du show bizz, les producteurs et autres chanteurs qui jouent dans l’humanitaire ; mais également tous les racistes, avec leur chanson « Chanson pédagogique du petit raciste » qui est très drôle, ou alors les supporters de foot qui prennent plaisir à se battre.

Bien sûr, le spectacle comporte beaucoup de chansons sur des situations comiques avec les filles ou les amis. Quelques morceaux de leurs anciens albums (à l’époque où ils étaient encore 5) sont rejoués, dont « Poupine et Thierry« , « Monolithe » ou « Pourquoi« , mais très souvent réarrangés.

Se boucler sur scène est dans l’air du temps (c’est-à-dire enregistrer une partie guitare en direct et la rejouer en boucle sur scène), et les Wriggles s’y sont mis. Ceci leur permet donc de pouvoir multiplier les choeurs sur les refrains, ou alors d’enregistrer le premier thème puis de le rejouer en boucle, laissant Frédo libre de jouer avec ses deux autres partenaires sur le plateau pour enfin revenir faire la fin du morceau en direct.

En bref, c’est un tout nouveau spectacle qui a su rebondir à la suite de la séparation. L’esprit des Wriggles est toujours là, un spectacle à ne pas rater!