Il est de ces soirs, où l’on pressent l’indicible très particulier d’un moment rare. Pleyel, la grande salle classique des beaux quartiers, du « beau » monde (le public est moins « grand public » et diversifié que certains des concerts précédents). Les lumières s’éteignent…

Mon avis : Un effort des organisateurs. Pleyel, c’est généralement très bien pour le classique, les oratorios, mais pour les concerts world, l’atmosphère fait davantage papier glacé. Pour cette fois, de grands pendrillons noirs recouvrant l’arrière scène et des éclairages, qui bien que sobres, sont un peu plus recherchées qu’à l’accoutumée. De quoi créer une intimité et une espèce de proximité. Le son, clair et assez rond, est d’un rendu plus que correct, mais sans grande personnalité (n’est pas ECM qui veut).

Anouar Brahem entre en scène avec ses musiciens. Comme d’habitude, il est sobre, très peu expressif, concentré, presque froid et ne dit aucun mot. Et le concert commence, réplique de l’album…

Mais voilà, ce n’est plus l’album, c’est autre chose, c’est même mieux que l’album ! Sur The Astounding Eyes Of Rita, il y a retour plus marqué à la musique fusion du jazz et de l’oriental, avec des instruments bien plus graves et percussifs que ne l’étaient ses deux précédents albums, décrits comme une musique contemporaine jazz de chambre. Fini le piano, l’accordéon, la tristesse, la mélancolie de cette « nouvelle Andalousie », où le genre ne pouvait être véritablement être situé, tant il emmenait vers un ailleurs. C’était si beau, si à cheval sur l’équilibre précaire de l’harmonie soyeuse, que le « live » se devait d’être très encadré et respectueux de l’enregistrement d’origine, poussant parfois le trouble d’un mimétisme plus qu’apparent, entre le vu de scène et l’entendu de l’album.

Ici, par l’esprit jazz, l’improvisation reprend le dessus. Pas folle et débridée, certes, mais belle et bien là, d’une touche légère et exquise. Les premiers morceaux passent. La douceur s’installe. Les musiciens prennent de l’assurance jusqu’à ce titre (quelle émotion sur Stopover At Djibouti notamment) éponyme de l’album The Astounding Eyes Of Rita. Déjà bien que touché du superbe sur l’album, il prend une dimension telle que je n’aurais pu le soupçonner. La magie était lancée. On sentait que le grand concert était en œuvre. Puis cette pause. Retour sur l’album précédent, Le voyage de Sahar, en trio : oud, basse et clarinette basse. Magnifique ! Il est rare que je ne m’arrête à ce qualificatif, mais je suis en manque de mots pour décrire la sensation. Et ce dont on pressentait, on en a la confirmation : Bjorn Meyer est un très très grand bassiste. Il réharmonise intelligemment, fait preuve d’invention et d’une musicalité rare dans l’instrument de la basse électrique pour une musique pareille d’une telle fusion des genres. Des notes venues d’on ne sait où, de l’aérien et de la joie ! Le sourire de tout le concert, heureux qu’il était d’être là. Sa joie, humble et sincère, apportait à l’ensemble cette exception sans en parasiter l’écoute. Mais aussi Klaus Gesing. Moins expressif de visage (évidemment) mais d’une douceur musicale, avec de l’ampleur sonore, il flirte avec le saxophone ténor, la clarinette des premiers albums d’Anouar Brahem. Dans l’esprit et parfaitement particulier. C’est une joie rare de l’écouter.

Ce titre, milieu du spectacle, synthétise l’esprit de la soirée. La suite s’en est découlée, sans jamais s’effacer, mais se renforçant au contraire par des improvisations qui éclairaient les 4 derniers morceaux de l’album. Meyer continuait d’émerveiller et Gesing de nous transporter. Anouar Brahem servit au mieux n’avait plus qu’à nous enchanter.

Le public ne s’y est pas trompé. Ovation, rappels, dont le très beau Halfaouine. Exceptionnel par son extraordinaire et vice versa (sic). Visiblement très touchés de ces applaudissements, Meyer et Gesing nous remerciaient. Leur émotion était palpable, tandis que Khaled Yassine (le plus effacé de la soirée, mais pas moins efficace) semblait plus intimidé, mais néanmoins très touché. Anouar Brahem souriait ! Son plus beau concert que j’ai pu voir. Que voulez-vous que je dise ?! Je me sentais chanceux d’être là. Et tout simplement heureux…

Anouar Brahem oud
Klaus Gesing bass clarinet
Björn Meyer bass
Khaled Yassine darbouka, bendir

PS : apothéose de la soirée, la remise de la médaille de Chevalier des Arts et des Lettres remise par Frédéric Mitterand à l’issue du spectacle, à Anour Brahem, à son insu, et en présence de Manfreid Eicher, présent pour les 40 ans de son label ECM. Voir l’article.

PPS : je vous ai mis le titre en écoute The Astounding Eyes Of Rita dans la sélection musicale, ainsi qu’un titre de Bjorn Meyer (Modul 44) accompagnant le pianiste Nik Bärtsch. Klaus Gesing, j’avais déjà mis un titre il y a quelques temps avec Norma Winstone. Je vous en met un extrait d’un autre album (pas ECM) sorti en 2003, toujours avec Norma Winstone (San Diego Serenade).

Pour écouter une interview d’Anouar Brahem.

Mon avis : Le dernier album occupe tout juste la moitié du spectacle. On y retrouve des anciens morceaux, Les minots, Ouro preto, La valse des adieux, Après la pluie. Je peux comprendre que Je ne voudrais pas crever, avec Jean Louis Trintignan ne puisse être joué, mais pourquoi pas La place Sainte Catherine (qu’il avait pourtant interprété en trio à l’émission Le fou du roi vendredi dernier sur France Inter) ?

Mais ne boudons pas notre plaisir. Daniel Mille est égal à lui-même : humilité, talent, partage, émotions… et particulièrement bien entouré. Mille déclare qu’il ne joue pas que du jazz, mais qu’il ne peut être accompagné que par des musiciens jazz. Cela se vérifie parfaitement. Piano, contrebasse et batterie (Alfio Origlio, Jerome Regard, André Céccarelli, du solide en quelque sorte) sont plus qu’efficaces : ils sont mélodieux, inventifs, aussi bien introspectifs que très « groove », respectueux mais aussi libres d’arpenter les harmonies de l’improvisation. Ivresse assurée !

Le trompettiste (Julien Alour) est lui apparu moins à son aise au début du concert, un peu fébrile. Notes peu assurées et assumées, tremblotantes, fausses parfois ( ?), il a fallu plusieurs titres pour que virevolte enfin la joie communicative de son souffle, et notamment s’envole à l’unisson du pianiste sur un morceau comme Les beaux jours par exemple. Il remplaçait (au pied levé ?) Stéphane Belmondo, initialement annoncé.

Daniel Mille est l’homme orchestre du regard, laissant la place de s’exprimer et même de s’effacer quand il le faut. Plus qu’improviser, il imprègne les morceaux de son univers, de ses affects et de son sensible. Moins jazz que ses congénères, mais aussi plus mélodique. L’essentiel était visé et largement atteint au-delà de l’excellence. Et nous, nous ressortions conquis et délicatement joyeux.

Avec : Daniel Mille (accordéon), André Céccarélli (batterie), Jerome Regard (contrebasse), Alfio Origlio (piano) et Julien Alour (trompette).

Pour écouter l’album :

Mon avis : je n’ai pas vu la précédente pièce, dont celle-ci serait en quelque sorte la suite. Cela ne nuit pas à sa compréhension, au plus cela diminue (sic) les parallèles et mises en perspective. Dire que le public fut dubitatif sur le spectacle proposé est une illustration d’un doux euphémisme, et pour ma part j’oscille entre l’emballement d’enthousiasme, et le réservé du bien fait pas trop…

Reprise du décor de la précédente pièce. Grand salon avec des marches en avant-scène. Une porte d’entrée centrale. Une baie vitrée sur le jardin (le mur pour nous) à jardin, un frigo à court sur ce qui pourrait être une espèce de cuisine. Une épaisse moquette délavée rouge, bordeaux et marron. Un papier peint années 70 aux couleurs criardes qui auraient perdu de leur vigueur.

Sextett parle de sexe mais aussi de musique. Eros et Thanatos se croisent. Les Érinyes pointent le bout de leur… seins (et de nez,  et voix,…). La Valkyrie débarque… ça sent bon les références aux mythologies grecques, latines et nordiques. Si l’on peut parfaitement comprendre la pièce sans en connaître leurs origines et leurs significations, celles-ci ne sont pas purement gratuites et posées là pour assortir le spectacle de l’étiquette intello-erotico chic. Connaître les mythes permet de saisir une psychologie bien plus profonde et recherchée des différents personnages et de leurs enjeux.

Du sexe et de la musique donc. De sexe surtout, mis en musique, illustré par la musique, engendré par la musique… Sans dévoiler l’histoire, Sextett raconte la mise en scène du désir sexuel par 6 personnages, 1 homme et 5 femmes (heureux Micha Lescot entouré de ces exquises dames…) au travers d’une quête de l’identité de l’homme confronté au désir féminin. Il voit « débarquer » dans sa vie, le jour de l’enterrement de sa mère, ces objets tant convoités du désir,  pour l’une collègue d’un travail absurde de normalité, pour une autre « sa pute » ombre ou phantasme d’un passé, le spectre même, puis de voisines bisexuelles frustrée de sexe pour l’une, froide pour l’autre et enfin d’une chienne qui ne veut que le lécher ou le mordre à mort. Oreste poursuivi par les Eurinyes ? Œdipe non résolu de Simon ?

Les questions fusent et les réponses traînent. C’est pour moi un plaisir que de ne pas tout saisir immédiatement. D’autant que les références mythologiques on s’en passe allégrement. On peut n’y voir qu’un rapport plus primaire d’un homme harcelé et presque impuissant à assumer le désir assaillant des femmes. C’est tantôt absurde, tantôt crû dans les dialogues (comme avec « sa pute », bimbo blonde plantureuse siliconée et drag-queen à la silhouette d’une Loana), abordant l’amour normal, l’amour bisexuel, la zoophilie, la première fois… C’est avec « la chienne » (chien des voisins qui ressemble à s’y méprendre à une femme déguisée en chienne…) que le trouble se fait le plus sentir pour Simon (cela m’a rappelé le film Casanova de Fellini, et cette scène où Terence Stamp trouve la jouissance de l’amour dans une automate).

Alors on pourrait croire qu’il ne s’agit que de sexe. Mais non, car on y parle et on y chante beaucoup de musique. Et de toute sorte : du lyrique (du Schubert), du fado (interprétée par la très convaincante Maria de Medeiros au charme certain), du jazz… en duo, en solo, en quartett dans les souvenirs… on croirait parfois évoluer dans une revue de cabaret ! La mélodie de la vie…

C’est donc une suite de situations improbables, absurdes, illogiques, presque malsaines pour certaines. Et pourtant cela tient la route. L’absurde est drôle, le sexe aussi frustrant qu’amusant, les corps aussi lucides que désarticulés… Le texte prend par la mise en scène et les acteurs. Et l’intrigue, avec son dénouement final inattendu, n’en finit pas de questionner Simon et nous-même sur ce qu’est l’identité sexuelle.

La pièce est écrite pour les acteurs. On le sent. Micha Lescot, au centre des désirs, est brillant. Même lorsqu’il tourne, tombe, court, glisse (cela m’a rappelé son exacte attitude dans Un garçon impossible, joué 8 mois plus tôt dans cette même salle) il a la légèreté de son corps grand et mince et joue avec sa diction, haute, claire et lancinante, parfois sciemment pédante.

Les femmes ne sont pas en reste. Passons sur leur beauté manifeste et la sensualité qui se dégagent d’elles, pour n’en retenir que la justesse de leur interprétation et de leurs chants. Je préférerais les rôles de Claire, Jane et Sarah. D’autres préféreront les autres.

Alors, enthousiasme débridé ? Pour certaines scènes, sans aucune réticences. Pour d’autres, je reste moi-même dubitatif. Ici et là de trouver des longueurs, des redites. Il y a des baisses de régime. La mise en scène se doit d’être inventive en permanence. Quand elle fait une pause ou se répète, l’intérêt fait pause aussi sans se répéter. Et c’est la limite majeure du spectacle. L’absurde ressurgit ainsi parfois dans ce qu’il a d’exaspérant, et on sent une forte étiquette « spectacle contemporain », donc spectacle chiant où on ne comprend rien (il n’y avait qu’à écouter le public en sortant). C’est peut être ça qu’il manque : une pointe plus relevée d’autodérision…

de Rémi De Vos
mise en scène Éric Vigner
avec :

Claire : Anne-Marie Cadieux / Walkyrie : Marie-France Lambert / Simon : Micha Lescot / Jane : Maria de Medeiros / Sarah : Johanna Nizard / Blanche : Jutta Johanna Weissdécor et costumes Éric Vigner

lumière Pascal Noël
son Othello Vilgard
maquillage et coiffure Soizic Sidoit
masque Erhard Stiefel
danse Julie Guibert
assistant à la mise en scène Olivier Fredj
assistante au décor Karine Chahin
atelier costumes Sophie Hoarau

Note d’intention :

L’existence de Simon vient d’être bouleversée par la mort de sa mère. De retour dans la maison de son enfance, hantée par cinq créatures aux désirs débridés, Simon s’autorise en s’affranchissant de toute contrainte au réel, à pénétrer dans le royaume des femmes où désir et imaginaire, fantasme et réalité se confondent en une projection délirante. Ce faisant, il découvrira la vérité sur ses origines familiales. Sextett est une comédie érotique, déjantée et musicale où le rire, le sexe et les larmes font bon ménage. Eros et Thanatos ont rendez-vous dans la maison de Madeleine… Jusqu’à ce que la mort nous sépare racontait l’histoire d’un jeune homme qui revenait dans la maison de sa mère avec l’urne contenant les cendres de sa grand-mère maternelle. C’était pour Simon le premier contact avec la mort. À cette occasion, il retrouvait sa première petite amie. Après un invraisemblable enchaînement de circonstances, il décidait, contre toute attente, de se marier. Sextett est la suite de cette histoire. Les années ont passé et Simon ne s’est pas marié. Au moment où la pièce commence, Simon a dû renoncer à un contrat important pour assister à l’enterrement de sa mère. Il revient dans la maison maternelle en compagnie de Claire, une collègue de travail qui insiste pour rester quelques jours et l’aider à régler ses affaires. Sextett est une pièce écrite pour 6 acteurs ou pour être plus exact pour 1 acteur : Micha Lescot au corps à corps avec 5 actrices, 5 femmes singulières aux origines culturelles diverses mais ayant toutes un attachement particulier à la culture, à la langue et au théâtre français, que ce soit l’actrice d’origine portugaise Maria de Medeiros qui revient pour cette pièce au théâtre après avoir fait la carrière que l’on sait au cinéma, la viennoise Jutta Johanna Weiss qui vit et travaille en France depuis une dizaine d’années, les québécoises Anne-Marie Cadieux et Marie- France Lambert ou la française Johanna Nizard qui n’oublie rien de ses origines orientales. Toutes ces femmes admirables jouent dans cette pièce où la musicalité si particulière de la langue de Rémi DeVos trouve ici son prolongement dans le chant du spectacle.

Eric Vigner

Entretien:

De quoi parle Sextett ?

Éric Vigner : Sextett parle du désir, du sexe, des femmes, de la mort et du théâtre. C’est la suite de Jusqu’à ce que la mort nous sépare. Dans cette pièce, le héros retournait chez sa mère à l’occasion de l’incinération de sa grandmère. Dans Sextett, on le retrouve après la mort de sa mère. On avait envie avec Rémi De Vos «d’écrire» une suite pour Micha Lescot et de confronter Simon à tous ces thèmes. Au début de la pièce Dans la solitude dans les champs de coton de Bernard Marie Koltès, le Dealer dit au Client : «Si vous marchez dehors, à cette heure et en ce lieu, c’est que vous désirez quelque chose que vous n’avez pas, et cette chose, moi, je peux vous la fournir…» Simon dans Sextett, comme le client dans « La solitude », est sollicité sur son désir. Sextett parle du désir comme carburant, comme énergie pure des constructions diverses et variées, quelles soient politiques, individuelles ou sociales, intimes, sexuelles, artistiques et surtout théâtrales. Sextett parle du théâtre comme le lieu et l’espace de projection et de représentation du désir.

Est-ce que vous intervenez dans l’écriture ?

E. V. : Sextett est la suite d’un travail et d’une amitié artistique entre Rémi et moi. Beaucoup d’aventures passionnantes dans l’histoire du théâtre sont nées d’une rencontre entre un auteur et un metteur en scène. On ne peut pas au théâtre dissocier le fond de la forme. Le metteur en scène, qu’il le veuille ou non, donne une forme à l’écriture proposée par  l’auteur. La mise en scène est un art d’écriture de la scène et en ce sens, elle touche à d’autres arts tels que les arts plastiques, la musique… Le livre prend forme en trois D, dans l’espace-temps du théâtre, pour produire un spectacle ici et maintenant. Après Jusqu’à ce que la mort nous sépare en 2006 avec Catherine Jacob, Micha Lescot et Claude Perron, Débrayage en 2007 avec la promotion sortante de la Manufacture et la traduction d’Othello de Shakespeare en 2008 que nous avons faite ensemble, Sextett est notre quatrième collaboration. En 1996 Rémi m’avait envoyé sa première pièce. À la lecture, j’ai compris qu’il y avait là une écriture nouvelle, qui mêlait sérieux et comique. C’est assez rare. Rémi écrit sur des sujets sérieux avec la force du rire. Pour Sextett, nous voulions créer pour ces acteurs en particulier. Nous avons passé beaucoup de temps ensemble chez moi en Bretagne. On a beaucoup parlé. On s’est  promené au bord de la mer. Le plus important était sans doute de faire quelque chose ensemble et de témoigner par le théâtre à notre façon d’un sentiment du monde très personnel et du désir en tous ses états.

Dans Sextett, votre héros est de nouveau confronté à la mort. Mais de façon très différente…

Rémi De Vos : Contrairement à Jusqu’à ce que la mort nous sépare, il n’y a pas de comique de situation dans cette pièce. Il n’y a pas d’urne funéraire à cacher. Simon revient de l’enterrement de sa mère avec une collègue de bureau. Si la mort de la grand-mère permettait une certaine distance drôlatique, la mort de la mère est un sujet plus sensible à traiter. Dès le début de la pièce, la collègue de bureau remarque un chien qui fait des trous dans le jardin. Nous sommes tout de suite dans la destruction. Le jardin détruit possède une valeur symbolique très forte. Arrivent rapidement deux voisines qui s’excusent du comportement de leur chien. En guise de dédommagement pour le jardin dévasté, elles proposent de chanter un lied de Schubert. Au bout du compte, on se retrouve avec un homme confronté à cinq femmes. Dans le désarroi lié à la mort de sa mère, Simon est perturbé d’être l’objet de désirs féminins. Si la pièce parle du désir, et plus précisément de la violence du désir, elle parle aussi d’angoisse de mort, de la peur masculine de la castration.

Comment avez-vous choisi d’écrire et pourquoi spécialement du théâtre ?

R. D. V. : Adolescent, je voulais être comédien. J’ai pris des cours de théâtre, mais ça n’a pas marché. J’ai travaillé en intérim une dizaine d’années et j’ai commencé à écrire sur ce que je vivais dans les entreprises. Cela a donné Débrayage, ma première pièce. Ensuite, les commandes de pièces se sont succédé. Je vis de l’écriture de théâtre depuis que j’ai commencé à écrire grâce aux commandes que me font les metteurs en scène. J’ai une relation particulière avec Eric qui comprend mon écriture. J’écris pour lui et j’espère le faire le plus longtemps possible. J’écris du théâtre parce que je ne peux rien dire sans que le contraire de ce que je suis en train de dire m’apparaisse dans l’instant tout aussi valable. J’ai facilement de multiples points de vue sur un sujet donné. L’écriture pour le théâtre allait donc de soi.

Extrait :

Simon entre, suivi de Claire. Claire marche dans la pièce. Un temps long.
Claire, devant la baie vitré : Il y a un chien dans le jardin.
Simon, après un temps : C’est le chien des voisins, il s’échappe parfois.
Claire regarde le chien dans le jardin.
Claire : Il est dangereux ?
Simon: Je ne sais pas. Quand il est là, je ne sors jamais.
Claire : Il vient souvent ?
Simon: Assez souvent, oui.
Un temps.
Claire : Comment fait-il ?
Simon réfléchit.
Simon: Il creuse des trous sous la palissade.
Elle regarde Simon.
Claire : Les voisins sont au courant ?
Simon: Quelqu’un rebouche les trous au fur et à mesure.
Elle le regarde, puis regarde dehors.
Claire : Il s’en prend aux fleurs.
Simon: Ne le regarde pas.
Claire : Il déterre les fleurs.
Simon: Ne le regarde pas.
Elle regarde Simon.
Claire : Pourquoi ne devrais-je pas le regarder ?
Simon: Ça l’énerve. Si tu arrêtes de le regarder, il partira peut-être.
Claire : Qu’est-ce que tu racontes ?
Simon: Il n’aime pas qu’on le regarde. Ça le rend agressif.
Claire : Tu devrais en parler aux voisins.
Simon: Les voisins sont encore plus dangereux que leur chien.

Mon avis : Pour ceux qui connaissent, on a forcément la référence du film de Sidney Lumet en tête avec Henry Fonda dans le rôle titre. Mais elle s’efface au fur et à mesure de l’avancement de la pièce. Cette version dévoile des nouveaux aspects, qui loin de desservir l’intention originale de Reginald Rose, la dégage d’un certain manichéisme, certes efficace et émotionnellement puissant, pour une subtilité du propos. Du grand et du bel art théâtral.

Rose avait écrit la pièce en 1954 en réaction à une erreur judiciaire dont il fut témoin. Son intention était de démontrer la bêtise de la justice de l’époque, faite de subjectivité et reposant sur les a priori racistes et la bêtise de 12 hommes constituant un jury d’une affaire criminelle. La pièce était une charge violente contre l’erreur judiciaire et in fine la peine de mort.

L’affaire semble entendue dès le début. L’adolescent noir a tué son père, un homme violent et alcoolique, à la suite d’une énième dispute, de plusieurs coups de couteau. Des témoins oculaires et auditifs confirment les propos de l’accusation. Les preuves sont toutes à charge. Pas de quoi traîner donc pour ce jury qui a de bien meilleures choses à faire que de débattre d’une évidence. Alors le vote est lancé. L’unanimité est requise pour l’acquittement ou la culpabilité. Tous votent coupables à l’exception d’un : le juré 8. Pourquoi ? Pas qu’il croit que l’accusé puisse être innocent. Non. Il voudrait être sûr en son âme et conscience qu’il soit vraiment le coupable. Il voudrait parler de l’affaire. Au moins une heure. Il est dur d’envoyer à la mort, un si jeune sans en parler… Après maintes réticences l’investigation commence et va durer 2 heures…

Intrigue policière, étude de mœurs, lutte des classes (les personnages appartiennent chacun à un milieu socioprofessionnel différent), joutes verbales et rhétoriques, démêlés psychologiques… cette pièce est tout cela à la fois. Observer la raison lutter contre l’obscurantisme est jouissif. Car cette version nous donne moins à penser les raisons raciales de ce procès (pourtant toujours très présentes) que l’appropriation de la part d’humanité des jurés. C’est un versant philosophique, sans s’appesantir, sans avoir l’air d’y toucher. On invoque le doute. On chasse l’objectivité trompeuse pour plonger dans la subjectivité de la parole et du souvenir. On évoque des convictions. La justice repose sur le principe de la liberté de ceux qui la rendent. Et c’est ce que nous voyons, 12 individus en quête de liberté. Celle de penser, de douter, d’affirmer, de se tromper, de changer d’avis, d’évoluer dans le raisonnement. Le rappel aussi des valeurs de la justice et de la nation par les étrangers qui ont décidé de vivre ici plutôt que de subir l’inéquité de leur pays d’origine. Le triomphe de l’humain, contre les superstitions, les a priori, la religion… en 3 mots : éblouissant, renversant et optimiste.

Le public est le 13° juré. On entend ici et là des indignations, des encouragements, des rires, quelques applaudissements. On participe à ce débat.

Et c’est la force de la mise en scène de Meldegg. Les déplacement des personnages semblent improvisés, vivants, imprévisibles, errant dans les méandres de leurs pensées et de cet espace clos. Il n’en est pourtant rien. La mise en scène est en si précise, si minutieuse, qu’elle s’efface. 12 acteurs présents sur scène (ce qui n’est pas rien) où rien ne se mélange, où l’on comprend tout, où l’on pourrait presque suivre simultanément différentes conversations. Tellement évident, qu’on ne le voit presque plus.

Tout ceci prend par le talent des acteurs. Et déjà quel casting ! Quel plaisir de voir tous ces grands noms en une seule fois ! Tous excellent à leur manière, dans leur personnage, dont certains très vils et « pourris ». Le premier d’entre eux n’est pas en reste. Leeb est fait de retenu. Pas une attitude ou une mimique du comique. Il tient le personnage.

Alors il va de soi qu’on est pris dans cette pièce. Transporté dans l’antre de l’humain. C’est si bien fait, du si beau travail, que l’on finit par ne peut être y voir que du théâtre. Convaincu et enthousiaste, une bulle de plaisir dans la noirceur de l’époque, on ressent la modernité du sujet, la critique toujours aussi présente de la justice rendue par aveuglement et bêtise. On sort et on croit à nouveau un peu en l’homme et sa capacité à faire jouer son libre arbitre. Le combat est à continuer…

Pièce de  Reginald Rose
Montée par Stephan Meldegg
Avec Michel Leeb , François Gamard , Pierre Santini , André Thorent , Jacques Echantillon , Laurent Gamelon , Alain Doutey, Jean Jacque Moreau…

Mon avis : Je pars avec des a priori plus que positif. Pinter, sa pièce Trahisons, le Lucernaire.

L’histoire se déroule à l’envers. Cette déconstruction narrative a pour elle l’efficacité de ne pas nous tenir en haleine par l’intrigue. Il faut, par conséquent, rechercher dans le temps qui s’écoule, les aspérités, les moments où les choix s’opèrent et déterminent les parcours de vie. Alors, à l’instar de l’auteur, il faut ce regard scrutateur du spectateur pour combler les raisons de l’histoire. Pinter, non content de triturer l’unité de l’action, désagrége l’unité de temps et d’espace. Plusieurs décors, des temps choisis au gré de l’intérêt de la psychologie des personnages… on doit plonger au cœur de leur intimité.

On commence par parler du souvenir. Enfin du souvenir qu’on se fait du souvenir. Puis on revit le souvenir. Flash-back, réalité ? Pinter ne donne pas de réponse. Il y a cette incapacité à décrypter le passé. La mémoire reconstruit immédiatement la conscience du passé à la lueur de son présent. Cette incapacité à se remémorer fait écho à celui de l’amour bourgeois, et de l’amour-amitié des gens de lettres, et plus généralement des intellectuels. La liberté des lettres n’empêche pas l’enfermement dans les normes sociales du mariage et de l’amitié. Au contraire même ? On s’autorise l’extra conjugalité dans ce qu’elle permet la stabilité du mariage.

On pourrait analyser bien plus longuement encore le propos de la pièce. Il est à chacun de le faire. D’autant que certains seront plus à même d’être sensibles à la trahison de l’amitié que de l’amour. Ou de la trahison à soi-même.

Si la pièce et le texte convainquent, je suis par contre beaucoup plus réservé pour la mise en scène et le jeu des acteurs. Je sais  qu’au Lucernaire, notamment pour la pièce intermédiaire (dans les horaires), il y a l’obligation d’adopter un décor simple et modulaire, un jeu de lumière dépouillé et signifiant. Mais là, il est dur de croire à ce que l’on voit. Même la musique fait trop sérieuse de pathos. Bien sûr on pourrait se dire que le no man’s land de l’action tendrait à prouver l’universalité de celle-ci, ici ou ailleurs, c’est le même scénario qui se joue. Le hors champs se borne à des bruitages off. Certes, mais je trouve que l’on perd de la rigueur et de la précision. La dissection du rapport amical et amoureux se retrouve quelque peu dilué. C’est anecdotique dans l’appréciation générale, mais cette sensation ne s’est jamais défaite du long.

Et ce d’autant plus que le jeu des acteurs m’a laissé parfois, trop à mon goût, distant et peu concerné. Si Robert (Sacha Petronijevic) est quasi impeccable dans son jeu (encore que la vision donnée du personnage soit un peu trop rigide et pour le coup manquant de nuances), les personnages de Jerry (Anatole de Bodinat) et Emma (Delphine Lalizout) sont trop légers et pas suffisamment incarnés. Je sais qu’il faut faire par subtilité pour toucher au juste, mais celle-ci ne fait pas mouche dans le cas présent. C’est parfois trop poussif, ou trop caricatural, ou trop léger ou en manque d’émotion, ou pas assez froid. Toutes les émotions qui devraient y être, y sont, mais semblent en décalage de l’intention de mise en scène.

Chez Pinter, rien n’est indiqué, mais le choix de cette mise en scène manque la justesse et surtout la profondeur du sujet. J’ai trop cette sensation de superficialité et d’anecdotique. Comme ce dialogue final (raté par les acteurs ce soir là dans une scénographie brouillonne), où Jerry déclame à son meilleur ami Robert : « (…) J’étais ton garçon d’honneur à ton mariage ». Robert de lui répondre : « C’est ce que tu es ». Cette phrase-couperet, d’une perfidie aveugle à la trahison qui vient de commencer, est ici donné en l’air et s’évapore immédiatement. Dommage, c’est à ce genre de détail que l’on passe à côté de l’excellence des grandes oeuvres pour n’en rester qu’à l’agréable.

Auteur : Harold Pinter
Mise en scène : Mitch Hooper assistée de Pauline Klein
Avec : Alexis Victor en alternance d’Anatole de Bodinat, Delphine Lalizout, Sacha Petronijevic, Hervé Masquelier et Rodolphe Delalaine en alternance.

Mon avis : Tout pour plaire. Enfin tout pour me plaire. Le cinéma, les coulisses du tournage du film d’Aldrich, 2 actrices mythiques, Bette (« Betty » !) Davis et Joan Crawford, des saloperies et autres aimableries langagières. Et ce mystère sur le succès et la fabrication d’un film. C’est bien fait, mais c’est juste bien.

Ce qui est déjà pas mal. Mais il est vrai que je m’attendais à être davantage dans l’engouement.

Le décor, sobre, se révèle fort pertinent même si cette grosse bobine en forme de promontoire peut faire penser à une icône pour Photoshop. La toile, tour à tour voile, écran ou paravent, joue sur les transparences et donne une profondeur de champ et du sens ainsi qu’une lecture sur différents plans. On fait le rapprochement avec la focale cinématographique et sa « fenêtre », cadrage d’un point de vue sur l’ouverture vers le monde. C’est discret et fort bien trouvé. Ici et là un projecteur, des fauteuils de cinéma, c’est efficace.

La mise en scène fluidifie le récit et se permet d’emprunter aux règles du cinéma de la parfaite alternance des dialogues hollywoodiens qui étaient de rigueur à l’époque. Ce côté surrané est agréable.

Les 2 actrices incarnent leur rôle. Même si la ressemblance physique n’est pas trop à rechercher, Joan Crawford ressort sûrement davantage que Bette Davis par la présence. Bette Davis est bien campée, d’un caractère de cochon ! J’aurais à regretter une vision par trop caricaturale de Davis. Son militantisme et ses combats de femme qui s’impose dans le cinéma de vedettariat masculine des années 30 et 40, sont ici complètement gommés. Il ne reste que l’aigreur, la perfidie et les caprices de la diva. A contrario, Crawford nous fait parfois dans la sensiblerie, car nous donnant une vision trop manichéenne de son caractère : une hypersensible maltraitée dans l’enfance qui plonge dans l’alcool et les affres de la sexualité de connivence. Une « alter-Maryline » en quelque sorte, que le texte et la mise en scène soulignent trop fortement lorsqu’elles apprennent sa mort.

Alors on pourrait rétorquer que l’on choisit ces 2 femmes à des moments très précis de leur vie, mais il y a tout de même une volonté tangible de dévoiler ces actrices en passe de devenir méconnues du grand public. Car qui ne connaît ces 2 actrices, ne peut qu’en ressortir avec une vision tronquée et erronée. Cet angle psycho-bio des coulisses et des doutes de ces grandes dames verse un peu trop dans l’anecdotique. On pourrait certes se croire dans les magazines people de l’époque. La grande confrontation reste pour moi trop elliptique. Et la vision qui en reste correspond trop à l’image d’épinale que l’on se fait de cet Hollywood.

Ensuite, le texte annoncé comme féroce, l’est certes par des aspects, mais demeure dans le poli attendu d’un combat de 2 chiffonnières du beau monde. La vacherie est tranquille.

Et, ce qui m’a sûrement le plus ennuyé, c’est cet acteur-témoin. Tour à tour chef opérateur, machiniste, régisseur, relayeur de la revue de presse, il intervient à intervalle court (heureusement) et régulier. Il semble ailleurs. Vêtu d’habits anachroniques. On ne sait trop ce qu’il est, ni ce qu’il fait. Pas que l’acteur joue mal. Non. Juste que sa pertinence est loin d’être flagrante et son utilité (hormis la revue de presse) loin d’être prouvée.

Je subodorais à la sortie de la salle, qu’il ne me resterait qu’un sentiment d’avoir passé au moins un bon moment. C’est exactement ça.

De Jean Marboeuf
Mise en scène : Didier Long
Avec : Séverine Vincent, Julie Marboeuf et David Macquart.

Coréalisation : Vingtième Théâtre et Lycoprod.

Mon avis : 2 pièces en moins d’un mois de Berhnard, la première avec George Wilson dans Simplement compliqué, et celle-ci avec Serge Merlin dans le rôle de Minetti. 2 belles affiches, qui ne déçoivent pas, et qui enchantent même.

Serge Merlin est un acteur habitué aux pièces de Berhnard. Il a même triomphé dans le rôle du Roi Lear de Shakespeare il y a déjà presque 20 ans. Il est donc « normal » qu’il endosse le rôle de Minetti.

Décor assez sobre. Une banquette, un hall d’hôtel, un ascenseur dans le fond. On se croirait dans les années 30 (on pourrait penser à l’univers de Murnau, dans le film le dernier des hommes), mais aussi bien dans les années 60, qu’aujourd’hui, dans une espèce d’hôtel au charme rétro. Loin de déranger cela ajoute à l’atmosphère de la pièce. Qui est ce Minetti ? Est-ce lui véritablement ? Ce qu’il raconte est-il vrai ? A-t-il rendez-vous avec le directeur de théâtre d’Ostende ?

Berhnard a détourné le patronyme de Minetti, acteur pour lequel il avait une grande estime, et comme à son habitude, l’a habité de ses réflexions et de ses rancoeurs. Berhnard règle ses comptes avec le théâtre. Le public est son ennemi, alors Minetti ne décolère pas contre le public et nous. Il se lance dans les grandes diatribes berhnardiennes. C’est un quasi monologue, un soliloque, où peu importe l’interlocuteur, il poursuit son discours.

Ce Minetti de la saint sylvestre a un aspect mortifère. Dès son arrivée, il est acteur. Une poursuite lumière le souligne d’ailleurs immédiatement et ne le lâchera qu’à la fin, lorsque celui-ci se recouvre le visage, sous cette neige, blanc linceul de son âme. Il est acteur, et joue à être acteur. Il veut rejouer son roi Lear, mais être Minetti en même temps. Berhnard déclare aux détours de ses écrits que Shakespeare est « Inaccessible, rien que des sommets ! ». Alors le roi Lear et rien d’autre, mais Minetti, donc Bernhard aussi. D’une arrogance folle, un hommage autant que la volonté d’être l’art dramatique à lui seul.

Cette tentative aussi désespérée soit elle, ne revêt rien de pathétique. Minetti éructe, joue, interprète ses émotions et ses humeurs, servi par un Serge Merlin magnifique au plus près du rôle. Cela devient une pièce de Bernhard. Rien n’est fait pour plaire au public : Il parle fort, ou trop faible, change d’humeur, rabâche son texte, le martèle, pousse à l’exagération.

Ce drame d’un acte en 3 scènes atteint peu à peu son acmé finale, avec la superbe troisième scène dans la pièce d’à côté. Hall de gare presque, dans cet hôtel, à l’intérieur mais au dehors aussi. La fête cohabite avec la fin de la fête. La neige tombe, le vent du nord, glacial occupe peu à peu la quasi-totalité de l’espace sonore. Le tout est d’une sobriété, sans pathos, avec quelques pointes d’humour même. Les clins d’œil sont nombreux comme ce moment où la jeune liseuse-amoureuse qui attend son amoureux, écoute la radio et monte le son au morceau de jazz (dans un arrangement bop des années 60) My One And Only Love.

Serge Merlin est parfait. Même ses rares accroches sur le texte sont dans le ton et l’humeur. Les trouvailles du décor, la pertinence de l’éclairage concourent à l’adhésion globale, enfin pour ceux qui parmi le public ne se sont pas sentis rebutés par la rudesse du propos et de la mise en scène. Le reste de la troupe semble, à dessein, appartenir à une autre pièce. Cette étrangeté, signifiante pourtant, n’empêche pas complètement un écart parfois propice aux « décrochages » du monologue.

Minetti c’est donc l’acteur qui veut l’être encore pour une dernière fois. Avant de mourir. Il est dans le jeu. Dans Simplement compliqué, le personnage de l’acteur n’était plus que le souvenir de l’acteur d’antan. L’un recherche l’émotion du jeu, l’autre la sincérité de l’homme derrière l’acteur. On sera tour à tour plus touché par l’un que par l’autre.

Mais ce Minetti, il est tout simplement touchant…

avec : Serge Merlin, Francois Clavier, Eve Guerrier, Olivier Mansard, Fabien Marais, Jérôme Maubert, Jessica Perrin, Liliane Rovère, Irina Solano,

mise en scène : Gerold Schumann

assistant à la mise en scène : Jérôme Maubert
décors : Olivier Bruchet
costumes : Cidalia da Costa
peinture : Jean-Paul Dewynter
lumières : Vincent Gabriel
création sonore : Bruno Bianchi
maquillages : Sophie Niesseron
fabrication des costumes : Anne Yarmola
fabrication des masques : Hafid Bachiri
construction du décor : Lycée polyvalent Jules Verne de Sartrouville
traduction : Claude Porcell

La note d’intention :

Minetti, portrait de l’artiste en vieil homme

 » Thomas Bernhard a écrit Minetti pour un des plus grands acteurs du siècle dernier, Bernhard Minetti. On ne peut envisager de mettre en scène cette pièce majeure du répertoire allemand qu’à travers un comédien porteur d’une dimension exceptionnelle.  » Gerold Schumann, metteur en scène

Un soir de Saint-Sylvestre, un monsieur qui prétend s’appeler Minetti débarque dans un hôtel décati d’Ostende. Est-il, comme il l’affirme, le grand comédien allemand qui n’a pas joué depuis trente ans ? A-t-il vraiment rendez-vous avec un directeur de théâtre qui lui a proposé d’interpréter Le Roi Lear ? Aux témoins de fortune de son attente, il va dévoiler ses triomphes, ses angoisses et sa fureur. Tandis qu’au-dehors souffle une tempête de neige, ce sont les vives lueurs d’un crépuscule qui éclatent dans l’hôtel désert…

Avec ce Portrait de l’artiste en vieil homme, Thomas Bernhard rend hommage à Bernhard Minetti, légende du théâtre allemand. Mais il invente aussi un moyen de bouleverser les règles du jeu. Sortant de son rôle pour prendre la parole, l’acteur devient ici un personnage, un acteur qui joue à être un acteur, un acteur qui joue à être un acteur qui veut jouer le roi Lear…
Interprète du roi Lear mais aussi de Thomas Bernhard dans Le Réformateur et Le Neveu de Wittgenstein, Serge Merlin s’empare aujourd’hui de Minetti, puissant véhicule offert par le dramaturge autrichien à tous les grands acteurs.

Mon avis : Vanier je l’écoutais dans Rien à cirer, puis dans l’émission de Kriss (sur France Inter). Ensuite ses deux précédents one-man-shows dont « L’envol du pingouin » qui était un vrai joyau de génie comique décalé et absurde, sur un personnage inadapté à son temps, bref, j’y vais avec des a priori très positifs. Alors forcément, si c’est moins bon, on reste sur sa faim.

Moins bon que l’excellence de son dernier spectacle, mais pas mauvais, très loin de là même. Ce n’était d’ailleurs pas le meilleur soir, car il souffrait d’une rhino (de son propre aveu lors des saluts) surlignant son débit de parole déjà très particulier. Il y avait du poussif et du surjoué pour le coup, ce qui perturbe la narration habituellement si subtile et d’un équilibre précaire évitant l’écueil de l’ennui pour de l’absurde superbement décalé de drôlerie. Parfois on s’ennuyait donc, et si je ne me trompe pas, Vanier a fait quelques erreurs de texte (d’inversion de sujet comique notamment). Mais il s’en est sorti assez brillamment sur l’ensemble.

Ce qui m’a par contre moins convaincu c’est le texte lui-même. Le sujet, la femme et l’incompréhension avec les hommes, est archi-rabattu et l’originalité n’était pas vraiment au rendez-vous : des jeux de mots attendus, une espèce de provocation machiste, ô certes bien plus fine et raffinée que bien des stands up et autres comiques, des situations assez bien trouvées mais que je trouve souvent sous-exploitées.

Un petit manque de rythme également. La mise en place est longuette. C’est du Vanier, mais pas le meilleur que je connaisse. Trop Vanier peut-être justement, pas assez de surprise.

La mise en scène reste par contre toujours aussi efficace et Jean-Jacques Vanier a l’aura pour captiver le public. On voit son personnage et les situations dans lesquelles il se trouve. C’est une réussite sur ce plan.

J’ai donc été content de retrouver Jean-Jacques Vanier, mais avec le sentiment d’un spectacle pas aussi abouti, et un peu moins intéressant que les précédents. C’est d’autant plus dommage, si je puis dire, que le sujet lui tient vraiment  à cœur.

A trop aimer…

Auteur : François Rollin et Jean-Jacques Vanier

Artistes : Jean-Jacques Vanier

Metteur en scène : : François Rollin

Elle – Jean-Jacques VANIER & François ROLLIN

envoyé par lautreprod. – Gag, sketch et parodie humouristique en video.

Mon avis : George Wilson, dont la réputation et le talent n’est plus à démontrer, est seul en scène, dans un face à face sans fard et artifice avec le public. Soliloque amer d’un vieil acteur misanthrope, dont le seul rythme de vie est le passage d’un fauteuil à un autre, il nous interpelle directement en tant que spectateur de sa mémoire et de ce qu’il en reste. C’est un discours noir, désespéré, lucide, radical et nihiliste, et quelquefois, très rarement, un peu empreint d’une discrète affection pour sa femme décédée,… Et pourtant, c’est tout simplement émouvant.

Je suis presque tenté de dire émouvant en toute vérité. On comprend la motivation de George Wilson, d’effectuer le parallélisme entre le texte et sa propre carrière. Le jeu doit  alors s’effacer pour laisser place à l’impudeur, presque, d’un vieil  homme qui se dévoile pour la réussite de l’entreprise.

En cela, il est aidé par ce décor qui s’harmonise si bien avec le cadre du théâtre. Murs délavés, peinture lézardée, un vieux mobilier de « vieux », des vieux vêtements en train de sécher au fond, un frigo hors d’âge au centre, des livres poussiéreux,… le vieil homme n’est lui-même plus que l’acteur-spectateur d’un antre devenu décor : la vie comme scène de théâtre. Rien qu’une immense comédie…

Très peu d’évocation du « hors champs », du monde extérieur. Un vague bruit de fanfare émane parfois, du monde des hommes ordinaires, qu’il raille sans se donner la peine de se déplacer à la fenêtre fermée et trouble. Et puis une petite fille, Catherine, qui intervient dans la deuxième scène. Elle apporte un peu de lait. C’est le seul lien avec l’extérieur qui lui plait encore d’avoir. Elle est enfant, et pas encore complètement pourrie par l’éducation et les parents. Il lui avoue  détester le lait, mais pas sa présence. Cette confession intervient parce qu’elle le surprend dans son rituel du mardi d’une fois par mois : porter la couronne de Richard III, son plus grand rôle d’acteur shakespearien. Son pathétisme se transforme en tendresse à la lucide folie mordante de son petit plaisir solitaire.

George Wilson aère le texte, donne le temps aux mots et aux phrases. On est loin de certains écrits berhnardien à l’écriture dense, serrée et sans fin. Il insuffle de l’humanité, et c’est un vieillard qui prend le temps. Ce qui ne l’empêche pas d’entrer par exemple en moquerie acerbe et ironique contre Schopenhauer qu’il plastronne de sa belle photo de philosophe.

La pièce est ainsi touchante, fidèle à l’esprit. J’aurais toutefois à déplorer un rythme ralenti par moments et certains flottements dû à un reste de jeu théâtral, qui paradoxalement finit par apparaître comme une légère trahison de l’intention. Mais pour cet acteur de 88 ans, la performance est déjà incroyable. Le théâtre c’est un souffle de vie.

George Wilson écrit ne seulement commencer à complètement comprendre son rôle et qu’il lui aurait fallu quelques mois supplémentaires. Gageons donc que le spectacle gagnera encore en intensité et vérité avec les représentations à venir.

Simplement compliqué c’est tout simplement bien ! Oui c’était plutôt facile …

De : Thomas Bernhard
Mis en scène et interprété par : Georges Wilson
Scénographie : Mélissa Ponturo
Lumière : Philippe Vialatte
Assistant à la mise en scène : Phil Sanders

suite de la note d’intention :

 » (…) Lorsque l’on prétend jouer cela en scène, il faut trouver en soi la force… de ne pas faire de théâtre. Ici, je ne peux m’adresser qu’à moi-même. La présence de la petite Catherine est un leurre.
C’est toujours à lui-même qu’il parle. Il se parle. Bien sûr, dans la mise en scène, qui est très simple et obéit strictement aux indications qui naissent du texte lui-même, il y aura Catherine, 9 ans. Aujourd’hui, alors que j’essaie d’expliquer ce que j’imagine, je me dis qu’il me faudrait six mois de travail de plus. Nous sommes en juin 2009 ; je comprends peu à peu Simplement compliqué. »
- GEORGES WILSON

Mon avis : je me permets de citer la note d’intention du metteur en scène tant celle-ci révèle de ce qui est raté. Prendre le parti d’une révolte métaphysique pour Dom Juan bien plus que comme le chantre de la liberté et du libertin libertaire, c’est s’exposer au doute du bien fondé du sujet de la pièce. Mais soit, c’est aussi pour ça que l’on va au théâtre, pour apporter des nouveaux angles et/ou des redécouvertes des classiques…

Je n’ai absolument pas accroché. A vous de me croire, mais je n’avais même pas lu le programme et la note d’intention au lever du rideau (c’est une métaphore, c’est juste la lumière qui s’allume…).

Version courte, 1h20, des personnages en moins et une intrigue resserrée sur quelques moments clés. Je serais méchant, je dirais qu’on a le sentiment d’un film à sketch italien des années 60 de série Z. Plus optimiste, un collage de scènes abrupt et sec.

La scène d’introduction est longuette. Mise en scène plan-plan.

Je ne vois pas des personnages mais des acteurs prendre le soin de s’habiller dans l’ordre bien établi. C’est consciencieux, propret, Sganarelle parle de son maître à sa maîtresse : méchant vilain qui se joue des femmes et de leur candeur. Il le désapprouve mais n’en dira rien publiquement, serviteur fidèle qui osera parfois chercher querelle pour comprendre mais aussi pour convaincre l’impie de Dom Juan de se ranger à la félicité céleste, en invoquant des raisons bien superstitieuses…

On constate que l’époque a été modifiée. Fin 19°s ou dans ces eaux-là. Pourquoi ?

On n’en saura rien. C’est trop abstrait. Mettre à mal l’hypocrisie bourgeoise du 19° ? Daté et surinterprétation de ma part. Mettons. Passons.

La lumière est froide et sèche. Accentuation du teint blafard du futur condamné. Ce n’est pas très avenant. Et il ne faut pas compter sur les intermèdes musicaux pour égayer le tout, étant également parfaitement anachroniques et dont quelques jours plus tard, je me demande à quoi ils pouvaient servir.

Les acteurs ne sont pas mauvais. Non. Mais pas très convaincants non plus. Dom Juan est fade, avec 3 émotions et d’un charme aussi efficace que Giscard s’imaginant culbuter une princesse anglaise… Que de sérieux et de boursouflage. Certes Dom Juan s’inscrit dans une veine tragique, mais c’est truffé de comédie et de farce. Ici, si peu ou presque, que le mot rien est celui qui vient en tête en premier lieu.

Alors l’action déroule, vague résumé de la bibliothèque verte pour jeunes ados. Pourtant la pièce est censée montrer un Dom Juan ambigu. Ici, non. Dieu va gagner. Vive le ciel !

C’est d’une bigoterie et d’un réactionnaire patenté. On se croirait dans un feuilleton épique historique adapté par le Figaro Magazine. L’horreur…

« L’athée se met à douter de son athéisme » ? Pas moi en tout cas. On est bien content de voir Dom Juan mourir plutôt que de céder à ces faux dévots. « Mes gages, mes gages », de Sganarelle en fin de pièce en vient à détruire le postulat du metteur en scène : c’est Dom Juan et son pragmatisme qui l’emporte. La foi ne devenant que superstition coercitive aux faibles d’esprit…

Dom Juan est le seul personnage qui vaille. L’ambiguïté initiale et les critiques d’un discours libertaire sont ici quasi-inexistantes, tant le propos semble d’un consensuel de bon sens populaire sur vivre au quotidien et en profiter (« Après moi le déluge… ») et des coupes trop importantes.

Le metteur en scène oeuvre pour argumenter contre son intention initiale. Une réussite en somme…

DOM JUAN
de Molière

Mise en scène Cyril Le Grix

Jean-Pierre Bernard (Dom Juan), Catherine Jarrett (Elvire), Alexandre Mousset (Sganarelle), Philippe Fossé (Dom Luis, le pauvre, le spectre), Carole Schaal (Gusman, Charlotte, Ragotin) / avec la voix de Laurent Terzieff (le Commandeur)

adaptation et scénographie Cyril le Grix / lumières François-Eric Valentin / décor Christian Bourdin et Agnès Chaillou / costumes Catherine Lainard / design sonore Benjamin le Calvé / production La Torche Ardente Cie

Créée le 15 février 1665, Dom Juan connaît un très vif succès. Mais dès la seconde représentation, Molière est obligé de corriger certains passages. Il est accusé de «tenir une école de libertinage» en mettant sur la scène un personnage qui «attaque avec audace» les dogmes de la religion.
Avec Dom Juan, Molière ne se soucie pas de renouveler avec l’Église les polémiques suscitées par son Tartuffe en 1664. Mais malgré sa nomination par Louis XIV de «Chef de la Troupe du Roi», la cabale des dévots finit par l’emporter et le roi lui fait dire de ne pas insister. La pièce n’est pas reprise, Molière ne la fait pas imprimer, et elle ne sera plus représentée de son vivant.
Surcroît de disgrâce, en 1677, à la demande des comédiens de l’Hôtel Guénégaud, Thomas Corneille en écrit une version versifiée, dans laquelle il s’est « réservé la liberté d’adoucir certaines expressions qui avaient blessé les scrupuleux», et c’est sous cette forme dénaturée et méconnaissable que Dom Juan sera joué à la Comédie-Française jusqu’en 1841.

L’hypocrisie est un vice à la mode et tous les vices à la mode passent pour vertus.